World-of-Movies

REVIEW - AMOR ALÉM DA VIDA

2008-05-04T09:30:00.000-07:00

Considerado um fetiche para os mais espiritualistas e apenas um belo romance para os mais céticos, Amor Além da Vida é sem dúvida um trabalho artístico de bom gosto e que une a tecnologia da computação gráfica com a sensibilidade em retratar a paixão idealizada e transcedente.

Chris (Robin Williams) é um médico que teve a sorte de conhecer a mulher de sua vida Annie (Annabella Sciorra) num encontro digno de constar em qualquer conto de fadas. Eles se casam e constituem uma família num círculo perfeito até que um acidente de carro tira a vida de seus filhos interrompendo a trajetória de felicidade. Apoiando-se apenas um ao outro, Annie e Chris tentam reestabelecer sua rotina e superar a perda quando outro desastre automobilístico mata Chris. Desencarnado ele acompanha por alguns momento o sofrimento de sua esposa que encontra-se desamparada por mais uma tragédia. Compreendendo que sua permanencia entre os vivos não ajudará Annie a superar o momento de angústia ele resolve seguir para o "andar de cima" uma espécie de céu ou paraíso criado por sua consciência cuja imagem representada é a de um local idílico (cenário deslumbrante de montanhas e lagos) adotado por ele e Annie como a principal inspiração de seus sentimentos. Tutelado por outro espírito Albert (Cuba Gooding Jr.) Chris tenta adaptar-se aquele mundo espiritual cheio de possibilidades o qual ele jamais poderia esperar que existisse.

Mesmo em sua vida pós-morte, surpresas, descobertas e desafios o aguardam. Chris será posto a prova confirmando que o amor persiste além da vida.

Unindo fantasia ficcional e doutrina kardecista Amor Além da Vida é um tributo à esperança e a renovação. Com cenas contendo cores fortes e vibrantes a busca de Chris é, na verdade, a do amor incondicional que não desaparece mesmo quando a matéria não mais existe. Ele está atrelado à sua alma gêmea, Annie, de forma determinante e suas vidas estarão sempre interligadas.

Cenas de grande impacto visual é que não faltam nesse filme que teve os efeitos especiais de primeira geração utilizados sem a menor cerimônia. Dentre os momentos mais poéticos pode-se destacar a cena em que Chris imagina estar dentro do cenário do quadro pintado por Annie (ele criando o seu próprio sentido de paraíso/céu): seus passos deixam pegadas de tinta fresca por onde passa. Outra passagem marcante é a visão do inferno que nos é apresentada através da imaginação de Chris composto de fogo, tormentas e rostos que, enterrados no chão, representam as almas que não conseguiram entrar no céu. Uma visão individualizada, mas que se torna universal pois como é repetido diversas durante o filme, temos o poder de transformar em realidade aquilo que acreditamos ser verdadeiro.

O único porém em Amor Além da Vida é o fato do ator principal, Robin Williams não ter força dramática suficiente para dar uma credibilidade maior á personagem. Ele não se destaca e praticamente some junto aos coadjuvantes e as imagens digitais.

Acreditem, abstraiam Robin Williams e transplantem qualquer ator para o papel de Chris e o filme manterá o seu interesse da mesma forma.

Título Original: What Dreams May Come.

Ano: 1998.

País de Origem: EUA.

Duração: 113 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Vincent Ward.

Elenco: Robin Williams, Cuba Gooding Jr., Annabella Sciorra, Max von Sydow, Jessica Brooks Grant, Josh Paddock.

REVIEW - A SUPREMACIA BOURNE

2008-05-03T19:19:00.000-07:00

Quem gostou de A Identidade Bourne pode se preparar para o dobro de cenas de ação, suspense e uma trama que supera em agilidade e tensão a do primeiro filme.

Tudo parecia quase tranquilo na vida de Jason Bourne que deseja apenas tentar reestabelecer uma rotina normal. Ainda em processo de recuperação de sua memória ele torna-se novamente o alvo de caça da CIA depois de ser incriminado num incidente que envolve a morte de dois funcionários do serviço de inteligência americano. Para entender o cenário em que se encontra ele se valerá não apenas de seus golpes precisos e armas automáticas, mas também dos fragmentos de lembrança que, aos poucos, vão construindo o cenário de um esquema de grandes proporções.

Com o mundo em seu encalço Bourne utilizará toda a sua técnica de agente espião para provar sua inocência e apontar os verdadeiros culpados.

O roteiro de A Supremacia Bourne se alimenta construindo uma trama em cima dos resquícios de enredo do seu predecessor e se dá muito bem, o que é raro quando se trata de continuações. Já que a série está funcionando A Surpremacia Bourne veio com um orçamento maior. Isto se reflete nas cenas de perseguição e nas emboscadas que são bem mais ousadas e melhor elaboradas. Matt Damon mantém sua interpretação forte e atormentada de um Jason Bourne em constante conflito cujo vínculo com o passado vem a sua consciência através de flashes de difícil compreensão.

Notas:

O orçamento desta seqüencia foi de 75 milhões de dólares, 10 milhões a mais do que A Identidade Bourne.

A primeira locação para as filmagens tinha sido agendadas para se dar na estação de trem de Kiev na Ucrânia, contudo está estação já tinha sido prograda para ser demolida dias antes da chegada da equipe no local. De acordo com alguns noticiários, eles tiveram que reconstruir parte da estação para poder dar uma aparência de integridade física ao local nas cenas que foram rodadas utilizando este set.

As filmagens nos locais que ocorreram as cenas foram feitas de forma contrária à ordem que aparecem no filme: Moscow foi a primeira locação a ser utilizada no início das filmagens. Goa foi a última.

Matt Damon acidentalmente atingiu de verdade o ator Tim Griffin que fez o papel do investigador da CIA na cena que é interrogado no aeroporto. Para dar um viusual mais robusto e um estilo de imagen de documentário o diretor

Paul Greengrass utilizou na maioria das cenas câmeras manuais tons opacos de cores. Ele também evitou de todas as formas utilizar computação gráfica e todas as cenas de perigo mostradas no filme foram feitas sem utilização desse recurso.

Título Original: The Bourne Supremacy.

Ano: 2004.

País de Origem: EUA.

Duração: 108 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Paul Greengrass.

Elenco: Matt Damon, Franka Potente, Brian Cox, Julia Stiles, Karl Urban, Gabriel Mann, Joan Allen, Maron Csokas.

REVIEW - LITTLE LORD FAUNTLEROY

2008-05-03T08:58:00.000-07:00

Antes de iniciar o comentário sobre o filme Little Lord Fauntleroy, sinto-me compelido a dar um breve histórico de uma das pessoas que mais estabeleceram diretrizes para o cinema comercial que conhecemos hoje: Mary Pickford.

Mary Pickford é um caso único na história do cinema mundial. Numa área dominada pelos homens ela estabeleceu seu pionerismo não apenas como a primeira atriz a fazer sucesso e a ser reconhecida internacionalmente. Ela, também foi, no auge de sua carreira, a primeira mulher a ter controle sobre a produção e distribuição de seus filmes. Com uma visão empresarial aguçada, Pickford quebrou barreiras e se tornou dona de um estúdio, a United Artists, numa sociedade que incluia seu marido Douglas Fairbanks, Charles Chaplin e D. W. Griffith. Por conta de sua iniciativa foi criada a Academia de Artes e Ciências Ciências Cinematográficas de Hollywood e o subseqüente prêmio Oscar que se tornaria o maior reconhecimento comercial de uma produção em cada um de seu aspecto artístico.

O início do empreendedorismo de Mary Pickford se deu, de início, dentro das telas. Consciente de seu carisma e da popularidade que tinha junto ao público que ia ao cinema assistir a jovem de cabelos cacheados, ela passou a exigir junto aos estúdios melhores salários compatíveis com seu apelo comercial. Não demorou muito para Mary Pickford ser aclamada como a "American Sweetheart" ou seja a "Queridinha da América" graças ao seu carisma. As personagens escolhidas por Mary Pickford acabaram por lhe criar um esteriótipo de boa moça. Sua suavidade e meiguice ao interpretar de forma espontânea meninas altruistas, ingênuas e de bom coração que sempre buscavam a felicidade lutando contra toda a má sorte da vida, transformaram-na em um lenda da sétima arte. No início do cinema, em seus primeiros filmes, os atores eram considerados apenas peças secundárias. A referência eram os nomes dos estúdios que faziam os filmes. Mary Pickford no início de carreira, por exemplo, era conhecida como a menina de cachos dourados da Biograph. As suas exigência acabaram levando auto-afirmação á classe dos atores que passaram a ser considerados os bem mais valiosos para os estúdios alcançando o patamar de estrelas e dando origem ao que ficaria conhecido como o "star system" dos estúdios. É de Mary Pickford a célebre frase que resume a nova era em Hollywood: "Para se ter bons atores devemos pagá-los bem e mantê-los sob contrato". A partir deste instante os astros e estrelas da tela prateada teriam seus nomes expostos com destaque nos créditos iniciais de abertura dos filmes.

Em Little Lord Fauntleroy ( segunda versão levada ao cinema, as outras foram de 1914, 1936 e 1980) Mary Pickford assume o papel duplo do jovem herdeiro do título de conde e de sua mãe. Explorando as características de interpretação que lhe tornaram referência

de pureza e amabilidade, Pickford consegue surpreender tanto quando faz a resignada e humilde mãe solteira - carinhosamente chamada pelo seu filho de 'Dearest' (querida) como quando faz o inquieto e cativante Cedric. A história trata do reconhecimento do filho ilegítimo de seu filho morto, pelo Conde de Dorincourt, que vê ameaçada a sua descendência por não haver mais descendentes. Sabendo que seu falecido filho deixara nos Estados Unidos um herdeiro fruto de uma relação não-conjugal ele manda trazê-lo para a Inglaterra com o propósito de prepará-lo para ser o seu sucessor. Embora, a princípio, rejeite a idéia de ter que aceitar um neto desconhecido e uma mulher o qual despreza e considera desonrada, a aproximação entre avô e neto é inevitável e o pequeno Cedric começa a operar mudanças no coração embrutecido do Conde. . e A interpretação do cinema mudo exigia um leque de expressões indicativas e mímicas intensas para dar força ao que o ator queria representar. Frequentemente, contudo, a performance era exagerada e o ator tornava-se mais anti-natural do que já se exigia pela falta de som. Mary Pickford, contudo, consegue passar ao público com menos maneirismos e pantomimas, apelos distintos vindo das personagens com simples olhares e gestos simbólicos. O elenco de apoio formado na sua grande maioria de experientes atores e atrizes do teatro de Nova Iorque e do cinema nascente como Claude Gillingwater que faz o papel do Conde de Dorincourt e Kate Price como a senhora McGinty tornam o filme ainda mais interessante. Produzido de forma suntuosa e com uma fotografia de primeira linha feita pelo mítico Charles Rosher (Scaramouche, Pollyanna, Kismet). Little Lord Fauntleroy é um bom exemplo do cinema mudo de qualidade feito em uma Hollywood nostálgica que enfeitiçava as platéias do mundo no início do século XX e que mantém sua aura translúcida até hoje.

Notas:

O seu irmão, Jack Pickford foi creditado como um dos diretores do filme. Ele faleceria em 1933 por falência renal causada pelo anos de alcolismo.

Na cena em que Cedric reencontra a sua mãe (ambos papéis protagonizados por Pickford), a cena da troca de beijos na bochecha levou 15 horas para ser concluido para uma edição de apenas 3 segundos que é visto no filme. Isso se deveu a complexidade das múltiplas exposições de câmera que foram necessárias para dar realismo à cena. Para garantir estabilidade entre as várias tomadas feitas, o cinegrafista Charles Rosher aumentou o peso da câmera que operava as cenas para quase uma tonelada.

Título Original: Little Lord Fauntleroy.

Ano: 1921.

País de Origem: EUA.

Duração: 112 min.

Língua (Subtítulos): Inglês.

Cor: Preto e Branco.

Diretor: Alfred E. Green / Jack Pickford.

Elenco: Mary Pickford, Claude Gillingwater, Joseph J. Dowling, James A. Marcus, Kate Price, Fred Malatesta, Rose Dione.

REVIEW - A IDENTIDADE BOURNE

2008-05-01T10:11:00.000-07:00

Uma explicação só para dirimir dúvidas: o fato de estar postando dois filmes seguidos relacionados á espionagem foi pura coincidência, uma vez que o critério de publicações dos comentários é aleatório e rende-se somente a ordem de filmes que assisto (que também não é programada).

Matt Damon entra sem o menor disfarce no ramo dos filmes de ação e espionagem e inicia a saga lucrativa da trilogia Bourne com o primeiro filme da série: A Identidade Bourne.

Resgatado por um barco pesqueiro no meio do oceano, Jason Bourne vai em busca de respostas que o levem à sua própria identidade. A amenésia não lhe deixou muitas lembranças que lhe pudessem ser úteis, mas um chip implantado sob sua pele lhe fornecará pistas que o ajudarão a descobrir sua origem.

Tendo um domínio total na interpretação do agente perseguido, Matt Dammon desempenha com a mesma maestria as coreografias de luta. Seja sensivelmente desolado pelas crises existencias pelas que passam a sua personagem ou seja na simples e pura porrada, Dammon passa credibilidade de um ser humano e temente de sua vulnerabilidade. Dentro de uma nova perspectiva de musa dentro do filme podemos até considerar a Franka Potente (Corra Lola, Corra) como a "Bourne Girl". Ela faz o papel da sem-rumo Marie que acaba se envolvendo nos problemas de Bourne e ingressa quase que sem querer na feroz perseguição que toma conta do filme.

A trama proposta pela A Identidade Bourne não é das mais intrincadas, contudo o roteiro bem enxuto e a direção firme de Doug Liman conferem um ritmo acelerado ao filme. As cenas de ação e perseguição são bem executadas e juntamente com o enredo garantiram o sucesso de A Identidade Bourne (leia-se o lucro) e, também, as suas seqüências.

Notas:

Inicialmente o personagem Jason Bourne seria interpretado por Brad Pitt.

A Identidade Bourne inicialmente seria lançado nos cinemas norte-americanos em setembro de 2001, sendo posteriormente adiado para junho de 2002.

O orçamento de A Identidade Bourne foi de US$ 75 milhões.

Esta é a 2ª vez em que o livro de Robert Ludlum é adaptado para o cinema. A anterior foi um telefilme chamado A Identidade Bourne (1988).

Título Original: The Bourne Identity.

Ano: 2002.

País de Origem: EUA.

Duração: 119 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Doug Liman.

Elenco: Matt Damon, Franka Potente, Chris Cooper, Clive Owen, Brian Cox, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Julia Stiles, Gabriel Mann, Walton Goggins.

REVIEW - DESPERTAR DE UM PESADELO

2008-05-01T08:44:00.000-07:00

Samantha (Geena Davis) é uma pacata mãe e trabalha ensinando crianças numa cidadezinha do interior americano. Sua rotina é simples e ela vive completamente integrada com sua filha dentro da comunidade. O único fato que lhe perturba é não se lembrar nada de sua vida anterior há oito anos atrás quando foi achada desfalecida numa praia próxima á localidade em que mora. A verdade virá a tona quando Samantha passa a ser perseguida e descobre que na verdade se chama Charly, uma espiã dada como morta e que passa a ser procurada tanto pelos seus inimigos tradicionais quanto pelo serviço secreto americano (seu ex-patrão).

Nesta produção tipicamente americana, Geena Davis, carismática como sempre, dá um ar cômico e simpático à matadora Charly neste misto de ação com toques de comédia.

Reny Harlin (diretor e produtor), então marido da atriz, embora tenha se valido de clichês tradicionais no desenvolvimento do filme (diálogos manjados, conflitos de persnalidade Samantha/Charly, cenas de perseguição e mortes previamente anunciadas) emprega um ritmo veloz que impede que o filme se trasforme num fiasco.

Samuel L. Jackson tem uma participação que não é das mais consistentes como o detetive solícito Mitch e que parece não acompanhar o ritmo de Davis que está muito a vontade em seu papel.
Despertar de Um Pesadelo não chega a supreender como filme de ação, tudo é muito previsível, mas serve como um bom entretenimento num dia frio chuvoso e sem muitas opções.

Notas:
Este é o 2º filme em que o diretor Renny Harlin e a atriz Geena Davis trabalharam juntos. O anterior foi A Ilha da Garganta Cortada (1995).
O roteiro de Despertar de um Pesadelo foi vendido por US$ 3 milhões. Foi, na época, a maior quantia já paga por um roteiro.
Uma das locações do filme foi um hotel histórico, construído há mais de 100 anos, localizado em Muskoka, Ontario, no Canadá. Durante as filmagens o hotel passou por um incêndio, sendo que uma das possíveis causas foi o calor gerado pelas luzes usadas nas filmagens. Apesar da desconfiança, nunca foi provado que o incêndio teve início devido a este motivo.
Após o incêndio as filmagens foram transferidas para Collingwood, em Ontario, até que o hotel fosse reconstruído.
A música "Let It Snow, Let It Snow, Let It Snow", de Dean Martin, é tocada no rádio do carro de Samantha. Esta mesma música aparece no final de Duro de Matar 2 (1990), também dirigido por Renny Harlin.
O filme que aparece na TV do hotel é The Long Goodbye (1973).
O DVD do filme lançado na França contém algumas cenas excluídas de sua edição final.- O orçamento de Despertar de um Pesadelo foi de US$ 65 milhões.

Título Original: The Long Kiss Goodnight.

Gênero: Ação.

Ano: 1996.

País de Origem: EUA.

Duração: 120 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Renny Harlin.

Elenco: Geena Davis, Samuel L. Jackson, Yvonne Zima, Craig Bierko, Tom Amandes, Brian Cox, David Morse, Patrick Malahide. Ação.

REVIEW - A DAMA DAS CAMÉLIAS (1936)

2008-04-30T18:52:00.000-07:00

Considerado o filme com a melhor atuação da lenda Greta Garbo (e sem dúvida é o que ela está mais bonita), A Dama das Camélias ganha sua segunda versão no cinema. A primeira é uma versão muda feita em 1922 com Rudolph Valentino e Alla Nazimova.

Este é um bom motivo do porque, na época de ouro do cinema, a MGM era sinônimo de produções glamourosas e de qualidade impecável. Todo o capricho e muito dinheiro foram utilizados na reconstituição deste melodrama de época bastante conhecido do escritor Alex Dumas. O trio figurino-direção de arte-fotografia, Adrian-Gibbons-Daniels, provam porque eram infalíveis e os melhores de todos os tempos, conseguindo extrair imagens inesquecíveis de Garbo, graças também a direção talentosa de George Cukor.

O cenário é a Paris do final do século XIX, onde a prostituição requintada era um estilo de vida escolhido por muitas "damas" de coração fechado cujo objetivo se resumia em seduzir homens ricos que pudessem bancar os seus gastos e luxos. Para Marguerite Gautier (Greta Garbo) ativa participante deste círculo, seus interesses também não eram diferentes até se apaixonar por Armando Duval (Robert Taylor) e em nome deste amor renunciar sua vida de conveniências e facilidades.

Embora A Dama das Camélias não deixe de ser um veículo de exploração da beleza inquestionável de Garbo pela MGM, as suas qualidades, entre elas a propria interpretação da atriz sueca, é notória. Ela nos presenteia com uma Marguerite cujo brilho da vida vai se esvanecendo a medida que o destino vai lhe subtraindo suas perspectivas de felicidade. Embora tenha a ajuda de um elenco de suporte talentoso, a química com seu oponente Robert Taylor não foi das melhores. A dupla não funcionou bem mais por causa de Taylor que apareceu apático e sem muito vigor ao lado de Garbo.

Segundo disse uma vez em entrevista muitos anos depois "Robert Taylor era bonito, mas tinha cara de bobo".

Notas:

O filme favorito de Garbo entre todos o que ela já fez.

Greta Garbo usava chinelos embaixo dos vestidos que utilizou nos filmes, isso lhe dava uma maior comfortabilidade e ajudava a dar uma naturalidade na execução das cenas.

Título Original: Camille.

Gênero: Drama.

Ano: 1936.

País de Origem: EUA.

Duração: 109 min.

Língua: Inglês.

Cor: Preto e Branco.

Diretor: George Cukor.

Elenco: Greta Garbo, Robert Taylor, Lionel Barrymore, Elizabeth Allen, Jessie Ralph, Henry Daniell, Lenore Ulric, Rex O'Malley, Laura Hope Crews.

REVIEW - CLOVERFIELD - MONSTRO

2008-04-27T10:16:00.000-07:00

Tudo começa de uma forma um pouco incomum. O nosso olho é uma câmera manual. Inicialmente o que testemunhamos é a imagem que a personagem que detem a câmera nos convida a ver através das lentes do aparelho digital. Passamos tempo demais assistindo um casal filmando seus momentos de intimidade logo ao acordar, uma festa de amigos com situações triviais. A demora é tanta para se ter alguma ação de fato que nos perguntamos se realmente estávamos assistindo ao filme certo. Apenas quase 25 minutos após a projeção, somos lembrados que estamos num filme de terror/suspense pelas cenas de tensão que se iniciam. Cloverfield pode ser meio sem pé e nem cabeça e a proposta de criar situações que misturam Godzilla, Resident Evil e Bruxa de Blair confundem, mas ao mesmo tempo o tira da mesmice e lhe dá certa distinção.
Quatro amigos tentam desesperadamente se salvar numa Nova Iorque sitiada pelo ataque de um monstro que aparece do nada no meio de Manhattan. Não me perguntem de onde ele veio e o que ele quer e nem para onde vai pois tenho certeza que nem o roteirista sabe ao certo para dar um destque maior (talvez para ele isso tenha sido o de menos importância). Destruindo arranha-céus e pontes e liberando pequenos monstrinhos devoradores de gente, a criatura vai desafiando até as forças armadas que não poupam munição para por a criatura abaixo.

Utilizando idéias já manjadas de outros filmes, mas dentro de uma mistura criativa, Cloverfield é um filme B de luxo que resgata um certo estilo cataclísmico clássico dos anos 40/50.

Notas:

O filme não apresenta trilha sonora e a música para os créditos finais so ocorrem um minuto e trinta após o encerramento do filme.Nos Estados Unidos muitas salas de exibição tiveram que expor um cartaz avisando que como o filme era rodado com câmera manual os movimentos da ação poderiam causar enjôos nas pessoas mais sensíveis.

A seqüencia de fogo cruzado foi filmada a noite no estúdio da Warner em Burbanks. Os extras atiraram com armas carregadas de verdade até as 10 horas da noite quando foram obrigados a utilizar armas artificiais por conta das leis que não permitem sons mais altos após o horário.
O orçamento de Cloverfield - Monstro foi de US$ 30 milhões.
Os atores apenas receberam autorização para ler o roteiro após assinarem o contrato para estrelarem o filme.
O título Cloverfield era inicialmente um codenome para o filme, sendo o nome da rua em Santa Monica onde estavam os escritórios da produtora Bad Robot durante a realização das filmagens.

Título Original: Cloverfield.

Gênero: Suspense/Terror.

Ano: 2008.

País de Origem: EUA.

Duração: 85 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Matt Reeves.

Elenco: Lizzy Caplan, Jessica Lucas, T. J. Miller, Michael Stahl-David, Mike Vogel.

REVIEW - PONTO DE VISTA

2008-04-26T21:12:00.000-07:00

A paranóia americana que foi construida frente ao terrorismo vai durar a eternidade. Pelo menos em Hollywood. No agitadíssimo Ponto de Vista, um elenco milionário e experiente se reúne para nos dar um dica sobre o que está passando na cabeça dos yankees nestes momentos de conflitos.

Em Salamanca na Espanha os chefes de uma centena de países no mundo estão reunidos frente a uma multidão eufórica, para ratificarem suas intenções ao combate contra terrorismo. No entando, antes mesmo de iniciar o seu discurso, o presidente dos Estados Unidos é alvo de um atendado e logo em seguida uma bomba e detonada no palanque. O resultado é uma tragédia que apenas encobre um plano ainda mais ambicioso.

O diretor Pete Travis e o roterista Barry Levy construiram um filme de ação que embora não seja perfeito (longe disso), merece ser observado. A narrativa nos é apresentada, pela ordem, sob o ponto de vista das personagens principais a partir de um determinado momento até uma situação crucial, onde todas elas acabam se encontrando. Esta condição de espacialidade e onipresença garantida ao expectador é bem montada e favorece o interesse pelo filme. A afluência dos testemunhos relatadas num flashback, na verdade, se constitui a parte mais interessante desta produção que, fora isso, segue os padrões dos demais filmes comerciais deste gênero (apelações desnecessárias, atitudes ingênuas e um clímax mirabolante).

Alerta aos fãs de Sigourney Weaver: a nossa conhecida "Ripley"da série Alien faz apenas uma ponta, aparecendo num total não superior a 5 minutos. Há também a participação de Matthew Fox ( o Jack da série Lost) com uma interpretação bem canastrona, apropriada para uma indicação ao framboesa de Ouro.

Notas:

Houve tentativas de negociação entre o estúdio e a comissão de filmes de Salamanca para a realização das filmagens na cidade, contudo a prefeitura se recusou a ter que fechar a Plaza Mayor por 3 meses durante as filmagens. A produção então teve que se mudar para a cidade de Cuernavaca e Puebla e apenas realizou tomadas áreas da Plaza Mayor em Salmanca para a edição do filme.

Uma réplica da Plaza Mayor foi construída no México, mas em escala menor e com menos detalhes que a original.

Título Original: Vantage Point.

Gênero: Ação.

Ano: 2008.

País de Origem: EUA.

Duração: 90 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Pete Travis.

Elenco: Dennis Quaid, Matthew Fox, Forest Whitaker, Sigourney Weaver, Zoe Saldana, William Hurt, Edgard Ramirez, Eduardo Noriega, Ayelet Zuret, Alicia Zapien.

REVIEW - LUCAS, UM INTRUSO NO FORMIGUEIRO

2007-05-27T10:30:00.001-07:00

Um filme direcionado às crianças, mas com um apelo universal que conegue fundir diversão com boas doses de gargalhadas e mensagens educativas e de fácil entendimento para o público infantil. Esta é a natureza (em todos os sentidos) de Lucas Um Estranho No Formigueiro, um desenho animado que soube explorar bem as lições de ética, cooperação e solidaderiedade exaltando o poder da boa convivência e tolerância.

Lucas é um menino comum e como a maioria dos garotos de sua idade é possuído de um espírito travesso e rebelde. No quintal de sua casa existe um formigueiro, vítima das maldades destrutivas de Lucas que se expressão sob a forma de ataques com pistolas de água ou com a utilização da mangueira de regar as plantas. A situação, contudo se inverte quando Lucas, enfeitiçado pelo mago do formigueiro, é reduzido ao mesmo tamanho daqueles seres em que ele teimava por risco com suas brincadeiras de barbarismo. Ele é obrigado pela rainha à ficar uma temporada morando no formigueiro e aprender mais sobre a comunidade das formigas para ter mais respeito e conhecimento por um mundo cuja a vida é tão preciosa como para os humanos. Determinado a dar o melhor de si para ser uma verdadeira formiga, ele é assessorado pela graciosa Hova e pelo seu namorado o bruxo Zoc, numa árdua tarefa de transformar a criança num ser humano aliado das formigas.

Lucas, Um Intruso No Formigueiro supera as expectativas e consegue ir além da proposta de mais uma animação, se projetando num trabalho reflexivo de e forte conotação instrutiva. As melhores cenas são aquelas em que ele se dá conta de que suas brincadeiras destruidoras em cima do formigueiro traziam desolação e sofrimento e que apenas agora é que ele só se dá conta já que está testemunhando a rotina daquela novo ambiente.

O respeito às diferenças é mais um entre vários outros temas que sutilmente são vasculhados, numa abordagem que atinge em cheio o bom senso do público mirim. Em seu conjunto ele é indiscutivelmente um dos melhores filmes infantis dos últimos anos e, sem dúvida, o melhor desta temporada.

Notas: O filme é o 3º longa-metragem de animação a ter formigas como protagonistas – FORMIGUINHAZ (Antz) foi o primeiro em 1998, seguido por VIDA DE INSETO (A Bug’s Life) em 1998.

O filme iria estrear originalmente em 4 de agosto de 2006, mas sua data foi alterada para 28 de junho de 2006, com O SEGREDO DOS ANIMAIS (The Barnyard).

No filme, as antenas das formigas macho são para frente, enquanto as das fêmeas são para trás.- A trilha sonora do filme é assinada por John Debney, o mesmo compositor responsável pela trilha dos animados Disney A NOVA ONDA DO IMPERADOR (2000) e O GALINHO CHICKEN LITTLE (2005).

Estreando em 3050 salas de cinema norte-americanos, o filme foi recebido pelos críticos com críticas mistas, obtendo até o momento uma razoável cotação de 63% de comentários positivos segundo o site Rotten Tomatoes. Enquanto alguns elogiam seus atributos técnicos e suas idéias criativas, alguns o criticam por ser muito carregado com lições de moral.

O site Box Office Mojo prevê uma abertura de terceiro lugar no ranking do fim de semana com $13.3 milhões, a frente de A CASA DO MONSTRO com uma prevista colocação de quarto lugar com $12.4 milhões.

Existem 7 curtas animados feitos do Lucas.

Nas fotos promocionais, Stan não usa charuto. No filme ele fuma.

Título Original: The Ant Bully.

Gênero: Animação.

Ano: 2006.

País de Origem: EUA.

Duração: 88 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: John A. Davis.

Elenco (vozes na dublagem original): Julia Roberts, Nicolas Cage, Zach Tyler, Paul Giamatti, Lily Tomlin, Bruce Campbell, Ricardo Montalban, Meryl Streep, Regina King.

REVIEW - CLEOPATRA

2007-05-26T09:07:00.003-07:00

A rainha egípcia mais famosa do mundo, Cleópatra, recebeu três versões no cinema norte americano. A primeira foi o filme mudo estrelado pela lendária Theda Bara em 1919 que encontra-se perdido até o momento. Depois a atriz francesa, radicada nos Estados Unidos, Claudete Colbert incorporou a personagem histórica em 1934 e por fim a polêmica produção de 1964 estrelada por Elizabeth Taylor. Rodada nos estúdios da cinecitá em Roma entre 1962 até 1964 o maior atrativo publicitário não chegou a ser o filme em si, mas os astronômicos estouros de orçamento e crises de saúde enfrentada pela estrela principal, Liz Taylor que fez com que a produção se mudasse da Inglaterra para a Itália no propósito de concluir a produção. A grandiosidade do espetáculo cinematográfico (cenários, figurinos, milhares de extras) permanece imbatível. Cleopatra ainda é considerado o último grande épico custeado por um estúdio de Hollywood até hoje. O filme centra sua maior atenção na figura da Faraó em suas artimanhas políticas revelando Cleopatra como uma mulher que, vivendo sua época, estabelecia ligações estreitas entre o poder que adquiria e seus romances com aqueles que poderiam lhe ajudar a obtê-lo. A importância conseguida por ela com suas alianças premeditas para se manter no poder foi tamanha que ela acabou fortalecendo o egito como uma nação respeitada frente ao poderio de Roma. Isto tudo graças ao romance que ela estabelece com Julio Cesar e, depois da morte deste, com Marco Antônio. O filme é uma ferramenta megalomaníaca da Fox que quase foi à bancarrota com um filme não teve retorno nas bilheterias. O resultado é que Cleópatra se sustenta mais pelas suas virtudes técnicas do que por uma narrativa substanciada. Apresenta-se com um palco para ostentar a diva Taylor (nome de peso nas bilheterias na época juntamente com Marilyn Monroe) .É um filme em que Hollywood vai ao limite do que pode ser estupidamente esnobe numa produção, tornando o filme grandioso técnicamente mas pobre na consistência da idéia central.A força de interpretação da dupla Elizabeth Taylor e Richard Burton provou funcionar. O casal levou a paixão que tinha nas telas para a vida real e fizeram mais 11 filmes juntos, entre eles Quem Tem Medo de Virgínia Wolf e A Megera Domada. A química entre Burton e Taylor e a riqueza da produção não foram suficientes para suprir a falta de um roteiro forte e mais maduro que vai de momentos a momentos se arrastando, como num desfile de alegorias monótono e chato.

Notas:

Cleópatra é o filme mais caro de todos os tempos. Na época de sua realização sua produção custou US$ 44 milhões. Se esta quantia fosse reajustada até em relação ao dólar em 1999, o filme custaria na verdade US$ 270 milhões.

É popularmente considerado um dos maiores fracassos comerciais de todos os tempos, apesar desta afirmação não ser verídica. Apesar de seu alto orçamento o filme conseguiu recuperar o dinheiro nele investido, vários anos após seu lançamento, sendo ainda uma das maiores bilheterias da década de 60.

Em 1958 a atriz Joan Collins chegou a ser contratada para protagonizar Cleópatra, mas com os vários atrasos que o início da produção teve ela acabou ficando indisponível para atuar no filme quando ele realmente entrou em produção.

A atriz Audrey Hepburn chegou a ser cotada para interpretar Cleópatra, após a desistência de Joan Collins.

Elizabeth Taylor foi o 1ª intérprete de Hollywood a receber US$ 1 milhão por um único filme, por sua participação em Cleópatra.

Este é o 1º de 11 filmes em que Richard Burton e Elizabeth Taylor trabalham juntos. Os demais foram Gente Muito Importante (1963), Adeus às Ilusões (1965), Quem Tem Medo de Virginia Woolf? (1966), A Megera Domada (1967), Dr. Faustus (1967), Os Farsantes (1967), O Homem que Veio de Longe (1968), Ana dos Mil Dias (1969), Unidos pelo Mal (1972) e Divórcio Dele, Divórcio Dela (1973).

As filmagens de Cleópatra tiveram início em 1960.

Logo no início das filmagens na Inglaterra Elizabeth Taylor adoeceu e não pôde participar das filmagens. Como praticamente todas as cenas necessitavam da presença de Taylor, a produção foi paralisada até que ela se recuperasse. Este período durou cerca de 6 meses.

Durante o período em que Elizabeth Taylor se recuperava o até então diretor Rouben Mamoulian pediu demissão de seu cargo, já que havia assumido outros compromissos para os meses seguintes.

Inicialmente seria Stephen Boyd quem interpretaria Marco Antônio em Cleópatra, mas ele teve que desistir do papel devido aos constantes atrasos nas filmagens, principalmente devido à doença contraída por Elizabeth Taylor.

Inicialmente seria Peter Finch o intérprete de Júlio César, tendo também abandonado o filme devido aos constantes atrasos em sua produção.

Durante as filmagens em Roma milhões de dólares foram gastos para repôr equipamentos de filmagens e os próprios cenários do filme, que foram roubados.

Ainda em Roma um grupo de mulheres que trabalhava como serventes e escravas de Cleópatra no filme entrou em greve, solicitando proteção contra os ataques amorosos dos extras italianos. O estúdio teve que contratar segurança especial para proteger os extras.

John DeCuir teve que reconstruir o gigantesco set de filmagens de Alexandria três vezes.

O diretor Joseph L. Mankiewicz chegou a propor à Fox que Cleópatra fosse dividido em dois filmes, César e Cleópatra e Marco Antônio e Cleópatra, ambos com aproximadamente 3 horas de duração. A Fox não concordou com esta proposta, decidindo lançá-lo no formato como o conhecemos hoje, com mais de 4 horas de duração.

De acordo com o diretor Joseph L. Mankiewicz algumas das melhores cenas do filme acabaram sendo cortadas de sua edição final. Segundo o diretor, foram cortadas cerca de 90 a 120 minutos na versão final.

Durante Cleópatra Elizabeth Taylor trocou de figurino 65 vezes, sendo até hoje um recorde para um filme feito para o cinema.

Foi também lançado em uma versão menor, com 194 minutos.

Refilmagem de Cleópatra (1934) e refilmado como Cleópatra (1999), para a TV americana.

Ganhou 4 Oscars, nas seguintes categorias: Melhores Efeitos Especiais, Melhor Fotografia - Colorido, Melhor Figurino - Colorido e Melhor Direção de Arte - Colorido. Foi ainda indicado em outras 5 categorias: Melhor Filme, Melhor Ator (Rex Harrison), Melhor Edição, Melhor Trilha Sonora e Melhor Som.

Recebeu 4 indicações ao Globo de Ouro, nas seguintes categorias: Melhor Filme - Drama, Melhor Diretor, Melhor Ator - Drama (Rex Harrison) e Melhor Ator Coadjuvante (Roddy McDowall). Rex Harrison pôs uma cláusula em seu contrato em que estabelecia que qualquer cartaz publicitário do filme em que Richard Burton aparecesse, ele também teria que aparecer.

A cicatriz da traqueotomia feita em Elizabeth Taylor no período em que adoecera na Inglaterra, é visível em vários momentos do filme.

Título Original: Cleopatra.

Gênero: Drama.

Ano: 1964.

País de Origem: EUA.

Duração: 192 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Joseph L. Mankiewicz.

Elenco: Elizabeth Taylor, Richard Burton, Rex Harrison, Martin Landau, Roddy MacDowall, Pamela Brown, George Cole, Hume Cronyn.

REVIEW - DOGVILLE

2007-05-26T09:07:00.001-07:00

A trilogia de Lars Von Trier contra as bases da sociedade americana tem o seu início com Dogville, um filme de impacto profundo e que se constitue em mais um prova de um cinema feito de forma artisticamente inovadora em sua narrativa. Potencialmente polêmico em sua essência, o diretor sueco utiliza atrizes ícones de Hollywood - Nicole Kidman e a lendária Lauren Bacall -aumentando o sentimento de chamada irônica para uma história que vai de encontro exatamente com a noção hipócrita que a América tem sobre a América.

A história se passa numa comunidade esquecida aos pés das Montanhas Rochocas, no Meio-Oeste americano chamada Dogville. Grace (Nicole Kidman) a chega a este vilarejo, fugindo de gângsteres. Ela é recepcionada por Tom (Paul Bettany) morador local e aspirante a líder comunitário que passa a maior parte de seu tempo exercitando a filosofia da ética moral. Após ser apresentada aos moradores de Dogville por Tom (que se apaixona pela ruiva e torna-se seu maior patrocinador para que ela se estabeleca no local), os moradores estabelecem o prazo de duas semanas para que ela se mostre uma pessoa confiável a viver entre eles, já que até aquele momento ela é uma mulher cuja índole é desconhecida. Aceitando cumprir este 'estágio probatório', Grace tenta se inserir na sociedade e cativar a todos, sendo prestativa em tarefas diversas que se estendem a trabalhar na lavoura a fazer leituras para cego. A forasteira, contudo, percebe com o passar do tempo que aquela comunidade que a submeteu a testes de aceitação, para poder nela conviver, não é tão ingênua e pura como imaginara. Só neste momento que ela se dará conta que terá que pagar um preço muito caro para permancer entre eles e que acaba mudando todo o seu conceito daqueles indivíduos.

Um dos pontos altos de Dogville reside no fato que todo o filme se dá num palco - que poderia ser o de um teatro, mas com interpretações dirigidas para a linguagem do cinema - cujo cenário é quase que totalmente criado pela imaginação. O faz de conta é que guia a atuação das cenas, ao mesmo tempo que nos mostra de forma concomitante a intimidade do interior das casas e do comércio de uma vila interiorana ilusória, onde não há uma parede sequer. Se desnuda aqui, os limites que a reserva na vida real não nos deixa ver.

Em Dogville a inexistência de barreiras físicas, comuns para garantir a individualidade, tem efeito apenas no expectador já que esta "transparência" só é vista pelos olhos do público como se o roteiro nos desse uma radiografia, do ponto de vista do diretor, a essência corrompida e maculada de uma sociedade que, de uma outra forma, deveria ser íntegra e livre de vícios. A denotação de Lars Von Trier afirmando a existência de uma postura de dominação, subserviência e oportunismo despachado pelos americanos aos estrangeiros já tinha sido, dentro de um outro contexto, explorado anteriormente no angustiante Dançando No Escuro. A composição faz utilização farta da câmera manual e intranqüila, típica de Lars Von Trier, adiciona uma forte tensão e expectativa a história. Os closes utilizados nas cenas sugerem uma desconfiança e dão uma sensação de desconforto constante aos personagens da trama. Dogville é um exercício de como fazer um cinema barato e eficaz com extrema qualidade e força criativa.

Notas:

Apesar de Dogville ser situado nos Estados Unidos, todas as filmagens ocorreram em estúdio na Suécia.

O orçamento de Dogville foi de US$ 9 milhões.

Trata-se do 1º filme de uma trilogia do diretor Lars Von Trier sobre os Estados Unidos. Os demais filmes são Manderlay (2005) e Washington (2007).

A famosa cena inicial, onde Dogville é vista de cima foi de fato gerado por um computador que organizou 156 cenas diferentes para a composição. O teto do estúdio não era tão alto para que pudesse ser feita sequer uma tomada naquela altura.

Dizem que Nicole Kidman se comunicou muito pouco com o restante da equipe, fora os assuntos necessários. Contudo ela convidou a equipe para beber champanhe e caviar e trouxe Chefs Mexicanos para conzinhar para todos.

Quando Nicole Kidman foi para a Suécia fazer o filme foi a primeira vez em quinze anos que ela pegava um vôo comercial.

Originalmente Lars Von Trier queria Nicole Kidman de quatro na cena de estupro, mas devido ao joelho machucado da atriz a cena foi mudada.

Paul Bettany não queria o papel de Tom Edison pois as filmagens estavam ocorrendo na Suécia. Foi quando o ator Stellan Skarsgård disse que as filmagens com Lars Von Trier erão tão divertidas que ele iria perder algo de extrarordinário caso ele recusasse o papel. Após metade das filmagens terem sido concluidas Bettany perguntou a Skarsgård quando a diversão iria começar. Skarsgård respondeu que tinha mentido e que ele tinha feito isso para que Bettany não recusasse o papel e tivesse a chance de trabalhar com Lars Von Trier, algo maravilhoso e que Bettany só saberia depois que já estivesse nas filmagens papel.

Título Original: Dogville.

Gênero: Drama.

Ano: 2002.

País de Origem: EUA / Dinamarca.

Duração: 178 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Lars Von Trier.

Elenco: Nicolle Kidman, Lauren Bacall, Paul Bettany, Harriet Andersson, Blair Brown, James Caan, Patricia Clarkson, Jeremy Davies, Ben Gazzara, Thom Hoffman, John Hurt (narrador).

REVIEW - O EXORCISTA

2007-05-20T23:18:00.000-07:00

Com certeza alguém já deve ter lhe perguntado: "Você já assistiu O Exorcista?". Essa pergunta chega naturalmente quando a questão se trata de bons filmes de terror e suspense. Sem dúvida O Exorcista é o filme referência no gênero. O lendário clássico de 1973, continua como um marco cinematográfico mesmo após quase 40 anos de sua produção. A sinopse do filme é conhecida até para aqueles poucos que nunca o assitiram.

A jovem e meiga Regan (Linda Blair), filha da atriz Chris MacNeil (Ellen Burstyn), é possuída pelo demônio e passa a sofrer alterações comportamentais e físicas de forma descomunal ao mesmo tempo que pavorosas. Sua mãe não vê outra alternativa e em meio à angústia e desespero pelo flagelo de sua filha. Após tentativas frutradas de encontrar a cura entre médicos e psiquiatras, ela procura o padre Damien (Jason Miller), para que se proceda um ritual de exorcismo que expurgue o espírito mal.

Os vômitos, a cabeça se contorcendo, as levitações podem ter tido seu poder de assombro mitigado pela evolução dos efeitos especiais mais modernos, contudo, a fotografia e a composição visual utilizadas na época foram suficientes para sedimentar o clima de intenso pavor e desespero. Esta é a marca registrada de um filme que até hoje nos pertuba com a idéia de oculto atingindo atingindo a pessoa humana e abalando os nossos medos individuais. As gerações que vieram após o primeiro lançamento do filme ainda percebem o fascínio que o medo do invisível causa. O Exorcista estará sempre aliado, após ser assistido, a inevitável impulso de se deixar a luz acesa na hora de dormir.

Notas:

O Exorcista foi o primeiro e único filme de terror a ser indicado ao Oscar de melhor filme.

O diretor John Boorman chegou a se oferecer para dirigir O Exorcista, mas posteriormente desistiu do projeto, por considerar a história cruel demais. Ele, entretanto, aceitou dirigir O Exorcista II, O Herege, lançado 4 anos depois.

A atriz Ellen Burstyn aceitou atuar em O Exorcista estabelecendo uma única condição: que sua personagem não dissesse a frase "I believe in the devil!" ("Eu acredito no demônio!"), contida no roteiro original. Os produtores atenderam o pedido e esta frase foi omitida da história.

As atrizes Jane Fonda e Shirley MacLaine chegaram a ser sondadas sobre a possibilidade de interpretarem a personagem Chris MacNeil em O Exorcista.

Eventualmente, o diretor William Friedkin consultava o Reverendo Thomas Birmingham sobre a possibilidade de exorcizar o set de filmagens. Em todas as vezes, o reverendo recusou o pedido, dizendo que isto causaria ainda mais ansiedade no elenco. Mas por diversas vezes ele visitou os sets para benzê-los e tranquilizar a equipe.

O quarto onde grande parte do filme foi rodada teve que ser constantemente refrigerado, para que se pudesse capturar com exatidão a respiração gélida dos atores. Para tanto, foram usados 4 aparelhos de ar condicionado, todos ligados simultanemente.

Na sequência em que a personagem de Ellen Burstyn é arremessada para longe, por sua filha com possessão demoníaca, Burstyn bateu violentamente com o coccix contra uma cômoda e gritou de dor no mesmo instante. Esta cena foi filmada e está em O Exorcista.

Inicialmente, a voz do demônio seria da própria Linda Blair. Entretanto, após 150 horas de trabalho em cima do som do filme, o diretor William Friedkin resolveu substituí-la pela voz de Mercedes McCambridge que, para fazer a voz do demônio, só comeu ovos crus, tomou muito álcool e fumou diversos cigarros. Se este fato tivesse sido divulgado antes das indicações para o Oscar de melhor atriz coadjuvante, provavelmente Linda Blair não teria sido indicada já que a interpretação de sua parte não foi completa. Como esta história só foi divulgada após as indicações, e a Academia não pode cancelar uma indicação, o resultado foi que Blair acabou perdendo o Oscar daquele ano.

A atriz Mercedes McCambridge chegou a processar a Warner Bros., para que seu nome como a dona da voz do demônio entrasse nos créditos de O Exorcista.

O endereço do apartamento mostrado em O Exorcista foi anteriormente habitado pelo autor do livro em que o filme foi baseado, William Peter Blatty, quando este era apenas um estudade da Georgetown University.

Durante as filmagens, 8 pessoas da produção morreram de forma não-explicada.

Foi relançado nos cinemas americanos em 2000, com uma nova cópia, som digital e 11 minutos de cenas extras inseridas ao longo do filme

O Exorcista é o primeiro de uma série de quatro filmes baseados nos personagens. Os demais foram O Exorcista II - O Herege (1977), O Exorcista III(1990) e O Exorcista - O Início (2004).

O estúdio originalmente quis Stanley Kubrick para dirigir o filme, mas este se recusou. A direção acabou nas mãos de William Friedkin que vinha do sucesso Operação França (1971) e que posteriormente filmaria O Iluminado (1980).

O local de escavação arqueólogica que aparece no início do filme é real. É o sítio arqueológico de Nineveh em Hatra no Iraque.

O diretor utilizou recursos inimagináveis para explorar as reações do elenco nas cenas. Ele disparava seu revólver por trás do atores para ter o efeito de susto e sobressalto mais intensificado. Após rodar por diversas vezes e ficar insatisfeito com a cena em que o padre Dyer administra os últimos ritos à ao padre Karras, Freidken chamou o ator William O'Malley e perguntou se este confiava nele. A resposta positiva foi seguida de forma instantânea por um tapa no rosto e a ordem do diretor para que ele fosse gravar a cena, a qual ficou perfeita. Outro momento extremo foi quando Freidken mandou amarrar cabrestos em volta de Linda Blair e Ellen Burstyn e ordenou que a equipe desse puxavões violentos para criar efeitos de uma terceira força agindo sobre elas em algumas cenas.

O set das cenas no quarto tiveram que ser refrigerado a um ponto em que desse o efeito esfumaçado do contato do ar quente da respiração com o ambiente gelado. Linda Blair estava apenas de camisola nesta cena e afirmou em entrevista que detesta o frio hoje em dia. O quarto foi equipado com quatro arcondicionados, fazendo com que a temperatura variasse entre 30 e 40 graus abaixo de zero. Ficou tão frio que a transpiração congelava em algumas pessoas da equipe. Numa ocasião, uma leve neblina se formou dentro do quarto resultando numa fina camada de geada que caira antes da chegada da equipe.

A substância vomitada por Reagan no Padre é sopa de ervilha. Votado como o filme mais aterrorizante de todos os tempos pela revista Entertainment Weekly.

No primeiro dia de filmagens da cena de exorcismo a fala de Linda Blair cheia de obscenidades foi tão forte que o "gentleman" Max Von Sydow acabou esquecendo seu texto de tão embarassado. Quando lançado em 1973 o filme causou uma histeria em massa, com pessoas gritando e desmaindo, com paramédicos sendo chamados aos cinemas, ajudando O Exorcista se tornar um dos filmes mais controversos de todos os tempos. Devido a ameaças de forte feitas contra Linda Blair, a Warner providenciou guarda costas para proteje-la por até seis meses após o lançamento do filme.

O filme com classificação indicativa acima dos 18 anos que mais faturou na história do cinema (em valores atualizados).

O som do diabo deixando o corpo de Linda foi conseguido gravando o som de porcos sendo levados para o abate.

Título Original: The Exorcist.

Gênero: Terror.

Ano: 1973.

País de Origem: EUA.

Duração: 132 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: William Friedkin.

Elenco: Ellen Burstyn, Linda Blair, Max Von Sydow, Lee J. Cobb, Kitty Winn, Jack MacGowran, Reverend William O'Malley.

REVIEW - HOLLYWOODLAND, OS BASTIDORES DA FAMA

2007-05-18T20:39:00.000-07:00

O cenário ideal para um crime de difícil resolução é a Hollywood da década de 50: poderosos magnatas do cinema, gangstêres e uma polícia corrupta. No mundo dos astros e estrelas todos os pecados capitais estão mais que presentes na rotina de uma camada da sociedade cuja vida está sempre exposta ao público. A história sobre o suposto suicídio do famoso ator dos episódios de Superman para a televisão, George Reeves, é levada às telas sob o manto da polêmica. Louis Simo (Adrien Brody) é um detetive decadente que tenta árdua e desastradamente, manter-se em sintonia com o seu único filho, fruto de um casamento fracassado. Ele inicia uma investigação sobre o assassinato de George Reeves (Ben Afleck), após ser contratado pela mãe do astro falecido, que desconfia da versão de suicídio para a sua morte. Ele faz com que o caso seja reaberto novamente, mesmo após as investigações terem sido dadas como encerradas pelas autoridades. À medida que o detetive vai se aprofundando em suas descobertas, evidências se conectam no sentido de indicar a plausibilidade de um crime de homicídio ter ocorrido. A vida do próprio Louis está em risco, pois os alvos de suas suspeitas envolvem o poderoso alto executivo da MGM, E. J. Mannix (Bob Hoskins) - apresentado aqui como uma espécie de chefão mafioso cercado de capangas - e sua esposa, ex-amante de Reeves, Toni Lanier (Diane Lane). O trunfo de Hollywoodland - Os Bastidores da Fama é a sua edição paralela de passado e presente: à medida que o detetive compreende o mundo da vítima este vai sendo montado de seu início como ator secundário, até a consagração junto ao público infantil como o famoso super herói. O envolvimento de Simo com o caso vai se tornando pessoal, o que o motiva para continuar na resolução do mistério, mesmo após a mãe do ator morto dispensar o seu trabalho, após ser corrompida pela MGM. O filme apresenta diferenças visíveis em relação às produções policiais de rotina. Este bônus se dá graças ao roteiro rico e a narrativa dramática e também pela sua conclusão genuína. A Direção de Arte e a bela fotografia de época é algo que devemos destacar numa película que nos instiga a pensar sobre até onde é saudável insistirmos em algo que nos prive de uma felicidade autêntica.

Notas:
O título original do filme inicialmente seria "Truth, Justice, and the American Way", mas este não foi aceito pela DC Comics, que possui os direitos sobre o personagem Super-Homem. A DC Comics também não autorizou que os trailers ou o material promocional de Hollywoodland usassem a insígnia do herói, apesar de ter autorizado seu uso para as cenas do filme.
Inicialmente seria Hugh Jackman o intérprete de George Reeves, mas o ator teve que desistir do filme devido a outros projetos.
Kyle MacLachlan chegou a fazer uma audição para o personagem George Reeves.
Benicio Del Toro chegou a assinar contrato para interpretar o detetive Louis Simo, mas posteriormente desistiu do projeto. Após a saída de Del Toro, foram feitas audições com Joaquin Phoenix e Adrien Brody para o personagem Louis Simo. Brody ganhou o papel. Foi a segunda vez que eles disputuram uma audição a anterior foi em A Vila e Phoenix ficou com a vaga.
O ator Jim Beaver, que também é o biógrafo de George Reeves, trabalhou como consultor em Hollywoodland. Foi oferecido a ele que interpretasse um personagem no filme, mas Beaver não pôde aceitar a oferta devido a conflitos de agenda com seu trabalho na série de TV "Deadwood".
Ben Affleck usou um anel no dedo mínimo e fumou com um portador de cigarros durante suas cenas em Hollywoodland, exatamente como fazia o verdadeiro George Reeves.
Os produtores de Hollywoodland foram obrigados a rodar uma nova versão dos créditos iniciais da série de TV "As Aventuras do Super-Homem", já que a Warner Bros não autorizou o uso da versão original no filme.
O carro que George Reeves lava em uma cena de Hollywoodland é um modelo extremamente raro, que foi levado de navio até o local das filmagens. Trata-se de um dos poucos exemplares ainda existentes de carros que o verdadeiro Reeves teve.
Exibido no Festival do Rio 2006.
A foto da mulher morta utilizada por Louis Simo na acusação que esse faz contra E. J. Mannix como cúmplice é na verdade a foto da cena da morte da atriz Carole Landis.

Título Original: Hollywoodland.

Gênero: Policial.

Ano: 2006.

País de Origem: EUA.

Duração: 126 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Allen Coulter.

Elenco: Adrien Brody, Diane Lane, Ben Affleck, Bob Hoskins, Lois Smith, Robin Tunney, Larry Cedar.

REVIEW - HOMEM ARANHA 3

2007-05-15T22:42:00.000-07:00

Peter Parker está muito ocupado no terceiro episódio do aracnídeo mais famoso do mundo. Os vilões se multiplicam, assim também como as crises existenciais do super herói. Como se não bastasse o fato de seu melhor amigo ter virado-se contra ele, junte-se a isso ganho de poderes especiais que o assassino de seu tio, Flint Marko (Thomas Haden Church) recebeu transformando-se no Homem de Areia e que se alia ao repórter rival de Parker, Eddie Brock (Topher Grace) que, também recebe superpoderes através de um organismo extraterrestre. A sua aparência é a de um Homem-Aranha do mal e sinistro e, como não poderia deixar de ser a dupla de vilões tentarão destruir o Homem-Aranha. Outro igrediente colocado no filme Homem Aranha 3 foi o aparecimento de uma forma orgânica interplanetária vinda de um asteróide que também foi responsável, antes de se apoderar do ambicioso Eddie, por provocar uma mudança comportamental em Parker fazendo extravasar os sentimentos menos nobres como orgulho e vaidade. A vítima permanece sendo Mary Jane (Kirsten Dustin) que sofrerá os costumeiros risco a qual, como toda boa mocinha que se preze, já deve estar habituada. O Homem Aranha 3 tenta superar as suas histórias anteriores criando múltipas subtramas. Explorar o conjunto deste enredo de forma satisfatória e, ao mesmo tempo, manter as seqüências de ação coordenadas é um tanto quanto difícil e a esta ousadia se deve dar crédito. Como trata-se de história adaptada de HQ o melhor seria, para capturar a essência das personagens com uma maior definição, explorar um único vilão por vez. O filme da Marvel, no entanto, é visualmente bem trabalhado com mais efeitos especiais que os dois primeiros Homem Aranha. A fantasia pretendida pela produção é alcançada e mantém a aventura como um bom programa de entretenimento num mundo espetacular da imaginação.

Notas:

Sam Raimi admitiu que não gosta do personagem Venom e que não pretendia incluí-lo nem neste e nem em qualquer outro filme do Homem-Aranha que dirigisse, já que considera que o vilão não possui qualquer tipo de humanidade. Foi graças ao produtor Avi Arad, que alegou a popularidade do personagem, e ao roteiro escrito por Alvin Sargent que o diretor voltou atrás na decisão.

Topher Grace e Thomas Haden Church declararam que não sabiam que fariam testes para Homem-Aranha 3 ao serem chamados para reuniões na Sony.

Thomas Haden Church trabalhou durante 16 meses para ter o físico necessário para o personagem Homem-Areia.

Topher Grace deixou o elenco da série "That '70s Show" para poder atuar em Homem-Aranha 3.

A data de lançamento de Homem-Aranha 3 nos cinemas norte-americanos foi anunciada antes mesmo da estréia de Homem-Aranha 2 nos cinemas.

John Dykstra, que ganhou o Oscar de melhores efeitos especiais por Homem-Aranha 2, declinou a proposta do 3º filme para trabalhar em Hot Wheels (2007).

O compositor Danny Elfman se recusou a trabalhar neste filme, devido a diferenças criativas que teve com Sam Raimi em Homem-Aranha 2.

O orçamento de Homem-Aranha 3 foi de US$ 250 milhões. Trata-se do mais caro filme já produzido até então.

Enquanto estava vestido da fantasia de Venom Topher Grace não bebia água pois ele não podia usar o banheiro por causa da fantasia.

O Homem Aranha 3 reuniu os três irmãos Raimi: Sam Raimi, o diretor; Ivan Raimi, um dos roteiristas e Ted Raimi como o ator que representa Hoffman.

Parte das cenas em que o Homem-Aranha se pendura na traseira de um carro-forte foi filmada no centro de Cleveland, Ohio devido aos altos custos de filmagem em Nova Iorque.

A areia de verdade foi usada nas cenas de areia com o Homem de Areia, exceto quando a personagem precisava ser soterrada. Neste caso foram utilizados grãos de milho pois a areia poderia ser perigosa nestas tomadas.

Baxter Humby, lutador profissional e que teve a mão amputada na altura do cotovelo quando ainda era bebê, substituiu Tobey MacGuire na cena em que dá um murro no peito do Homem de Areia. Isso foi feito porque o movimento de Humby daria mais realismo e plástica à cena.

Thomas Haden Church teve que malhar por 16 meses para adquirir a forma. O mesmo aconteceu com Topher Grace que se exercitou por 6 meses para o papel de Venom.

John Dykstra que foi premiado por seu trabalho de efeitos visuais por Homem Aranha 2 recusou trabalhar na terceira seqüência. Scott Stokdyk assumiu o posto.

Topher Grace em nenhum momento do filme é referido com Venom.

Foram necessários três anos de trabalho para desenvolver os efeitos especiais necessários para se construir o Homem de Areia. Para entender a dinâmica da areia, vários experimentos foram conduzidos (foi jogada areia no dublê, foi verificada a situação da areia transbordando pelas bordas dentro de um limite, etc.). Escultores de areia foram contratados para fazer a consultoria.

Elisha Cuthbert e Scarlett Johansson foram cogitadas para o papel de Gwen Stacy.
Todos os gritos de Kirsten Dunst foram reciclados de O Homem Aranha 2. A garota que vende a câmera para Jonah J. Jameson é filha de Sam Raimi.

Título Original: Spider-Man 3.

Gênero: Aventura.

Ano: 2007.

País de Origem: EUA.

Duração: 140 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Sam Raimi.

Elenco: Tobey Maguire, Kirsten Dunst, James Franco, Thomas Haden Church, Topher Grace, Bryce Dallas Howard, Rosemary Harris, J.K. Simmons, James Cromwell, Theresa Russell.

REVIEW - A RAINHA

2007-05-13T14:19:00.005-07:00

A atuação contida de Hellen Mirren lhe rendeu o Oscar de Melhor Atriz por sua representação de Elizabeth II no filme A Rainha. Uma produção modesta para os padrões atuais e cujo maior interesse é exatamente a participação de Mirren como a monarca inglesa.

A Rainha narra os momentos que se seguiram à morte da princesa Diana e a postura de Elizabeth e sua família frente à tragédia. A justificativa dada pela soberana é revelada quando ela diz não poder coadjuvar com os sentimentos universais de comoção pela perda de sua ex-nora, pois conhecia Diana em seu íntimo e entre elas não havia afinidades. O filme teatraliza o que seria uma indiferença por parte da Casa Real com a quase beatificada ex-Lady Diana. Buckhing negou-se, a princípio, em fazer qualquer pronunciamento a respeito do acidente ao mesmo tempo que se recusava a organizar um funeral com honrarias reais, tendo em vista Diana já se encontrar divorciada do príncipe Charles.

O mal-estar criado por este impasse causou um desapontamento geral, principalmente junto aos súditos britânicos (que realmente veneravam a srª Spencer), chegando até mesmo, segundo a orientação do filme, a ameaçar a monarquia inglesa. Só após pressão popular é que foi concedida a Diana um funeral digno da nobreza.

A Rainha é um filme predominantemente frio e documentado, o momento de poesia que se destaca (talvez o único) se dá quando o carro de Elizabeth quebra no meio de um riacho e ao descer do veículo, ela se depara com um cervo (objeto de caça cobiçado dentro da propriedade da coroa). Sensibilizada pela vulnerabilidade, imponência e pelo ar de solidão do animal o alter-ego da rainha Elizabeth se expande, refletindo na criatura a qual ela admira o seu eu. Sem muito esforço é de fácil compreensão que a galha do cervo é uma metáfora da coroa a qual ela também carrega.

A Rainha foi dirigido por um dos melhores diretores de filmes com temática inglesa na atualidade: Stephen Frears. A Direção de Arte e a Fotografia mantém uma qualidade padrão de elegância já conhecida em filmes do diretor como Ligações Perigosas (1988), Mrs. Henderson Apresenta (2005) e O Segredo de Mary Reilly (1996). A Rainha toca num tema polêmico não encerrando o seu assunto, mas que se mostra suficiente em seus propósitos.

Notas: Na exibição de A Rainha no Festival de Veneza a intepretação de Helen Mirren recebeu 5 minutos de ovação, após o término da sessão.

Exibido na mostra Panorama do Cinema Mundial, no Festival do Rio 2006.

Helen Mirren conseguiu para os atores que iriam interpretar os menbros da família especialmente James Cromwell, Sylvia Syms e Alex Jennings, que eles pudesse passar mais tempo juntos fora das câmeras. Este contato maior foi feito para que eles se sentissem mais a vontade um com os outros facilitando a interpretação deles como família na hora das filmagens.

Helen Mirren disse que fazer a rainha Elizabeth foi algo quase que natural depois que ela pôs a peruca e óculos especialmente porque ela possui certas caracteristicas físicas parecidas com a rainha como a expressão facial e a boca levemente inclinada para baixo. Ela frequentemente também via filmes e imagens da rainha, além de ter pendurado fotos dela pelo seu trailler durante a produção.

O escritor Peter Morgan disse que Helen estava tão convincente que perto do fim da produção, a equipe que custumava ficar relaxada quando vestiam ou preparamvam-na para as cenas começaram a ter numa postura ereta e com as mãos para trás.

O escritor Peter Morgan construiu os eventos da semana após a morte da princesa Diana através de entrevistas extensas com fontes anônimas próximas ao primeiro ministro e da família real. Muitas destas fontes foram capazes de corraborar com as informações de outras, dando a Morgan informação suficiente para deduzir as situações intervinientes.

Algumas características das personagens são reconhecidas como verdadeiras como a hostilidade de Cherie Blair contra a monarquia, assunto amplamente divulgado, assim como sua recusa em fazer a reverência à Rainha.

As jóias usadas por Helen Mirren são baseadas nas jóias verdadeiras usadas pela Rainha Elizabeth.

Ganhou o Oscar de Melhor Atriz (Helen Mirren), além de ser indicado nas categorias de Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Roteiro Original, Melhor Figurino e Melhor Trilha Sonora.

Ganhou 2 Globos de Ouro, nas categorias de Melhor Atriz - Drama (Helen Mirren) e Melhor Roteiro. Foi ainda indicado nas categorias de Melhor Filme - Drama e Melhor Diretor.

Ganhou 2 prêmios no BAFTA, nas categorias de Melhor Filme e Melhor Atriz (Helen Mirren). Foi ainda indicado nas categorias de Melhor Filme Britânico, Melhor Diretor, Melhor Ator Coadjuvante (Michael Sheen), Melhor Roteiro Original, Melhor Trilha Sonora, Melhor Maquiagem e Melhor Edição. Recebeu uma indicação ao César de Melhor Filme Estrangeiro.

Ganhou o Goya de Melhor Filme Europeu. Ganhou o Volpi Cup de Melhor Atriz (Helen Mirren), o prêmio de Melhor Roteiro e o Prêmio FIPRESCI, no Festival de Veneza.

Título Original: The Queen.

Gênero: Drama.

Ano: 2006.

País de Origem: Reino Unido.

Duração: 97 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Stephen Frears.

Elenco: Helen Mirren, James Cromwell, Alex Jennings, Roger Allam, Sylvia Syms, Michael Sheen, Helen McCrory, Earl Cameron.

REVIEW - A PEQUENA MISS SUNSHINE

2007-05-13T14:19:00.003-07:00

Em A Pequena Miss Sunshine a maior atração se deve ao personagem da atriz mirim Abigail Breslin e do roteiro. Olive, interpretada de forma cativante por Breslin, teve a ajuda da direção sensível que os diretores Jonathan Dayton e Valerie Faris empregarão. Ela é o ponto de motivação da história e fusão das personagens. Uma das maiores virtudes de A Pequena Miss Sunshine é a sua despretensão, que deu contornos mais especiais ao filme. Os diretores souberam trabalhar bem junto com o roteiro de Michael Arndt extraindo com naturalidade o sentimento de ternura dentro de um ambiente pouco favorável e fazê-lo sem ser piegas. Alan Arkin no papel do "avô" - único nome que é chamado durante o filme - é curto e sua premiação com o Oscar deve-se mais como uma homenagem ao conjunto de sua obra do que especificamente por seu desempenho neste trabalho. Olive é a filha mais nova e junto com sua mãe, Sheryl (Toni Collette), são as mais equilibradas de uma família onde os conflitos abundam. Richard (Greg Kinnear), o pai, é um escritor cuja maior obsessão é tornar seu livro de auto-ajuda um sucesso e, assim, alcançar liberdade financeira e reconhecimento. Seu irmão, Dwayne (Paul Dano), é o puro reflexo da juventude problemática e psicótica americana. Ele recusa-se a pronunciar qualquer palavra com quem quer que seja até que seu sonho de se tornar piloto aéreo se realize. Sheryl é o veículo que une a casa apaziguando os ânimos, tentando estabelecer um mínimo de união. A mão de bom coração leva seu irmão para morar com a família após este sair da clínica onde estava internado devido a uma tentativa de suicídio. Isto tudo por ter rompido com seu namorado. O último integrante, e com certeza o mais excêntrico, é o avô. A dedicação com que exercita sua liberdade de expressão de forma plena, foi conseguida na aposentadoria. Esta é atividade favorita do grandpa: usufruir da liberdade. Ele é o maior incentivador para que Olive participe do concurso Little Miss Sunshine, onde haverá a seleção da menina mais bonita. Participar deste concurso de beleza infantil e ser a ganhadora é o maior sonho de Olive. O problema é que a disputa será realizada na Califórnia e ela teve sua inclusão feita em cima da hora após a desistência de uma candidata. A família terá que partir logo para chegar no local a tempo. É neste trajeto que o espectador vai se afeiçoando às personagens (extremamente distintas e ricas em suas peculiaridades). A interrelação que vai sendo construída apresenta as diferenças dentro da família que se mantém unida mesmo com todas as adversidades finaceiras, psicológicas e estruturais que vão sendo revaladas no decorrer do percurso. A força desta união é catalizada pela figura inocente de Olive que mostra uma consciência madura nas condições que se sobrevêem. A candidata à Little Miss Sunshine apresenta um poder de se conformar e de aceitar uma situação irremediável. O maior significado que se tem de grande virtude na família é, sem dúvida, a personagem de Olive que inspira mudanças, motiva atitudes e traz o entendimento. O filme mantém sempre presente o nível de profundidade emocional que às vezes supera a sua linha de comédia. Situações estapafúrdias como a kombi que tem sempre que ser empurrada quando pára por não ter marcha, o traslado ilegal de um corpo tirado às escondidas do hospital são momentos de pura diversão, ao mesmo tempo que se percebe uma tragédia. Este é o grande trunfo de A Pequena Miss Sunshine: trabalhar uma mesma cena, sugerindo noções dramáticas diferentes. A criança novamente rouba a cena e nos presenteia num papel onde nos ensina que podemos crescer mesmo enfrentando as adversidades. Podemos ser mais felizes mesmo que superando os obstáculos, pois através deles damos um significado construtivo às aparentes derrotas e fracassos, pois esses são os fomentadores do crescimento pessoal. Em A Pequena Mis Sunshine todos evoluem de alguma forma, inclusive o espectador.

Título Original: The Little Miss Sunshine.

Gênero: Coméidia.

Ano: 2006.

País de Origem: EUA.

Duração: 101 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Jonathan Dayton / Valerie Faris.

Elenco: Abigail Breslin, Greg Kinnear, Paul Dano, Alan Arkin, Toni Collette, Steve Carell.

REVIEW - OS MOTOQUEIROS SELVAGENS

2007-05-13T14:19:00.001-07:00

O título do filme já identifica que uma "bomba" está a caminho. Quando observamos o elenco formado por atores de talento reconhecido como: John Travolta, Tim Allen, Ray Liotta e Marisa Tomei e uma ponta do lendário Peter Fonda entre outros, ainda temos uma esperança que algum conteúdo interessante possa ser extraído. Ledo engano. A comédia panaca Os Motoqueiros Selvagens é o puro exemplo de desperdício de tempo e talento. Se constitui num daqueles filmes que nos faz questionar o por quê os produtores queimam dinheiro com um material tão medíocre.

Quatro amigos de infância, agora todos na meia idade, formam um grupo de motociclistas cujos casacos de couro os denominam Os Motoqueiros Selvagens. Eles se reúnem eventualmente para tentar escapar de suas vidas monótonas e ordinariamente comuns realizando passeios locais com suas motos. Surge então a idéia de Woody Stevens (John Travolta) de os quatro amigos cruzarem o deserto em direção à Califórnia. O lema é: aproveitar intensamente o contato com a natureza. Sair da rotina e se eximir das suas responsabilidades são os outros efeitos pretendidos pelo grupo como uma forma de atenuar suas frustrações. Durante o trajeto os quatro bobocas queimam a sua própria barraca de dormir, fazem piadas machistas envolvendo gays e mulheres de uma forma hipócrita.

Uma das personagens, Dudley Frank (William H. Macy), é descrita claramente como homossexual, mas se redime ao final quando, desengonçadamente, se envolve amorosamente com a dona do bar Maggie (Marisa Tomey) refletindo o triunfo do puritanismo americano. Essas são algumas das camidades que o roteiro nos presenteia entre milhares de outras onde se destaca a participação ridícula de Ray Liotta como o motoqueiro brigão e perdido no tempo e espaço. Os chavões que poderiam ter sido utilizados e ter dado um impulso de comicidade maior seria o do policial, mas este foi descartado na metade do filme. O mais incrível de tudo é que o filme foi um grande sucesso de bilheteria nos Estados Unidos (gosto é gosto !).

Os Motoqueiros Selvagens já pode ser considerado, em minha opinião, o mais forte candidato ao prêmio Framboesa de Ouro em suas diversas categorias. Atrevo-me a dizer que até deveria ser dispensada uma lista de indicados e homenageá-lo como o ganhador unânime e absoluto devido ao seu insuperável mau gosto no que tange ao conjunto da obra.

Notas: O roteiro original apresentava o nome dos motociclistas rivais de Hells Angels, após o verdadeiro grupo ter processado a Disney eles mudaram para Del Fuegos.

Damien Blade é interpretado por Peter Fonda que também interpretou Wyatt no clássico de motocicleta Easy Rider de 1969.

Quando Peter Fonda diz aos Motoqueiros Selvagens para perderem os seus relógios, ele faz uma sutil referência à Easy Rider. No começo do clássico de 1969 Peter Fonda, no papel de Wyatt, joga o seu relógio fora quando inicia a sua viagem.

Martin Lawrence e John C. McGinley dividem seu segundo filme juntos já que estiverem em 'Nada A Perder".

O filme que teve a maior bilheteria em sua estréia até março atingindo a marca de 39,7 milhões de dólares.

Quando os Motoqueiros Selvagens se desfazem de seus relógios no íncio de sua jornada, parte do diálogo de John Travolta com Allen faz referência ao papel de Tim Allen como Buzz Lightyear em Toy Story.

Título Original: Wild Hogs.

Gênero: Comédia.

Ano: 2007.

País de Origem: EUA.

Duração: 100 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Walt Becker.

Elenco: John Travolta, Tim Allen, Martin Lawrence, William H. Macy, Ray Liotta, Marisa Tomei, Peter Fonda, M.C. Gainey, Kevin Durand.

REVIEW - SERPENTES À BORDO

2007-05-04T11:32:00.000-07:00

O que falar da novela previsível Serpentes Á Bordo a não ser que 'você já sabe o que vai acontecer pois é a história de sempre'. A única explicação para que Samuel Jackson, um grande ator, ter sido convencido pelo seu agente a participar deste filme deve ter sido um cachê muito alto ou escassez total de trabalhos. O papel que Jackson protagoniza se compara em debilidade apenas ao teor medíocre do roteiro de um filme tão insignificante (a abertura inicial mostrando o testemunho de um assassinato - mote do filme - já é ridículo por si só) que os momentos de tensão devem ter mais efeito em pessoas que tem fobia por estes répteis rastejantes dos que os amantes de um terror 'B'. No Hawai, após presenciar o assassinato do promotor de Los Angeles que investigava as ações ilegais do grupo do mafioso Chen Leong (Terry Chen) (numa cena pra lá de tosca), Sean Jones (Nathan Phillips) passa a ser perseguido pelo gângster e se torna a peça fundamental que poderá por atrás das grades o criminoso. A partir de então sua vida fica sob a proteção da polícia. A valiosa testemunha tem que ser levada para depor em Los Angeles e para fazer sua escolta com segurança é designado o agente Neville Flynn (Samuel Jackson, num papel que demonstra toda sua capacidade em exercer a arte da canastrice). Os bandidos não perdem tempo e infestam o avião que Sean será transportado com cobras venenosas, que agindo sob o efeito de feromônios tornam-se extremamente agressivas e passam a atacar a todos os passageiros, pondo em risco a segurança do vôo. Não dá pra ser levada a sério, nem por um instante, Serpentes Á Bordo. A facilidade com que as cobras saem da seção de cargas, danificam os equipamentos do avião, aparecem do nada atacando as pessoas... é demais até para aqueles que tem o Q.I. de uma ameba. Para quem espera um "terror animal" diferenciado e com condições aceitáveis para o desenvolvimento da história, certamente irá se desapontar com as incongruências e clichês utilizados. A idéia da invasão de serpentes à um avião pode ser interessante, mas mesmo explorando esta possibilidade, para funcionar, o roteirista deve dar plausibilidade em sua argumentação. Afinal o cérebro do expectador é maior do que o de uma cascavel.

Notas:

Inicialmente seria Ronnie Yu o diretor de Serpentes a Bordo, mas ele deixou ao projeto devido a discordâncias sobre o orçamento que teria disponível.

Samuel L. Jackson declarou que apenas assinou contrato para atuar em Serpentes a Bordo devido ao título do filme. Os produtores posteriormente pensaram em alterá-lo para "Pacific Air Flight 121", mas Jackson exigiu que o título original fosse mantido.

Em março de 2006, devido ao grande interesse provocado pelo filme na internet antes mesmo de seu lançamento, a New Line Cinema autorizou a realização de 5 dias extras de filmagens. Neste período foram rodadas cenas extras, com o objetivo de diminuir a censura do filme nos cinemas americanos. As filmagens iniciais de Serpentes a Bordo foram concluídas em setembro de 2005.

O orçamento de Serpentes a Bordo foi de US$ 35 milhões.

Foram utilizadas 450 cobras, entre elas uma Píton da Birmânia de oito metros e meio que era chamada de Kitty.

Quando o comissário de bordo põe a cobra no microndas da para ver que ele aperta o botão 'Cobras' no microondas.

A frase do filme "Estou farto destas cobras filhas da mãe neste avião filho da mãe" foi votada como a número 55 entre as melhores frases de cinema de todos os tempos pela revista Premiere.

Algumas cobras foram criadas digitalmente já que algumas cobras reais não realizavam os movimentos que os cineastas precisavam.

A frase "Cobras na Cabine" é utilizada pelos pilotos quando querem se referir a grande quantidade de tarefas que eles tem que cumprir.

Há 60 mortes no filme: 29 cobras e 31 humanos.

O roteiro inicial tinha 122 páginas quando o diretor David R. Ellis se comprometeu em dirigir o filme. Depois de refazê-lo com o produtor de direção e Samuel L. Jackson, Ellis reduziu o tamanho do roteiro para 103 páginas.

O título original do filme foi criado numa brincadeira que um grupo de amigos de Hollywood fizeram para escolher o pior título que poderia ser criado para um filme. O produtor Craig Berenson que trabalhava para a Dreamworks na época, deu o título ao filme 'Snakes On A Plane' baseado num roteiro chamado 'Venom'.

Título Original: Snakes On A Plane.

Gênero: Suspense.

Ano: 2006.

País de Origem: EUA.

Duração: 105 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: David R. Ellis.

Elenco: Samuel L. Jackson, Julianna Margulies, Nathan Phillips, Rachel Blanchard, Flex Alexander, Kenan Thompson, Keith Dallas, Lin Shaye, Bruce James, Sunny Mabrey.

REVIEW - ALMAS DESESPERADAS

2007-05-01T17:11:00.002-07:00

Tentando convencer com uma boa atuação, Marilyn Monroe surpreende no papel da louca Nell em Almas Desesperadas e já se afirmava no inicio da década de cinqüenta como uma jovem promessa na arte da interpretação cinematográfica. O seu papel on e off screen como deusa do sexo, porém, foi mais forte e a fox acabou construindo o seu mito em cima de seu magnetismo avassalador, transformando-a na lenda que todos conhecem.
Almas Desesperadas é um filme diferente dos que Marilyn protagonizou pois a exploração de sua beleza não é a mola propulsora de sua personagem.
Nell é uma jovem garota vinda do interior e com a ajuda de seu tio, que trabalha como ascensorista de um hotel, consegue um "bico" como baby-sitter de Bunny (Donna Corcoran) a filha de um casal de hóspedes. Os problemas de Nell vem á tona rapidamente quando ela em plena crise de depressão obsessiva se rende ao delírio e acredita que seu noivo, morto na segunda guerra mundial, voltou na figura de Jed (Richard Widmark). Jed, também hospedado no hotel, só aos poucos vai percebendo a enrascada que se meteu quando só queria um momento de prazer, com a garota do outro quarto, depois de levar o fora de sua namorada Lyn (Anne Bancroft). A tensão crescente chega a um ápice vertiginoso onde completamente fora de controle Nell é capaz de qualquer coisa para não abandonar a sua paranóia e voltar à realidade.

Sem dúvida, assistir Marilyn Monroe com ares de esquizofrênica é algo chocante. Por vezes seu olhar psicopata demonstra uma certa falta de maturidade na dose de caracterização, mas mesmo assim ela consegue assustar e prova que se tivesse tido a chance poderia ter desenvolvido uma carreira com papéis menos esteriotipados e mais desafiadores. Seja dando uma de megera maltratando uma criança, seja atacando seu próprio tio num acesso de fúria Marilyn consegue implementar na personagem Nell uma força única que singulariza este seu trabalho como o mais rico de seu conjunto. Isso tudo sem perder o brilho que sempre a acompanhou nas telas e até fora delas.

Notas:
Este foi o primeiro filme de Anne Bancroft e décimo oitavo filme de Marilyn numa tentativa de provar aos críticos que ela sabia atuar.
O filme foi rodado com as seqüências sendo filmadas em tempo real.

Título Original: Don't Bother to Knock.

Gênero: Drama.

Ano: 1952.

País de Origem: EUA.

Duração: 76 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Roy Ward Baker.

Elenco: Richard Widmark, Marilyn Monroe, Anne Bancroft, Donna Corcoran, Jeanne Cagney, Lurene Tuttle, Elisha Cook Jr. .

REVIEW - DUNA

2007-05-01T17:11:00.001-07:00

As imagens de Duna remetem, àqueles que o assistiram na década de oitenta, ao fascínio que a ficção científica exercícia sobre o público particularmente neste período, iniciando-se de forma comercialmente avassaladora com Guerra Nas Estrelas em 1977, Alien em 1979 e Blade Runner em 1981.

A fantasia galáctica do mundo do escritor Frank Herbert ganhou contornos com traços sul-reais do diretor David Lynch. O gótico, o misteríoso e oculto predominam na produção que utiliza grandes cenários, um ótimo elenco e um charme que reside em se distanciar da realidade.

No planeta Arrakis a disputa pela extração do mineral conhecido como a substância laranja gera uma batalha entre as famílias Arreikes tendo como o líder patriarca Duque Leto Atreides (Jürgen Prochnow) e a Harkonnens que sob a liderança do Barão Harkonnen (Kenneth McMillan) se alia a outros governantes, e também com o corrupto Imperador Padishah Shaddam IV (José Ferrer), para eliminar o seu maior adversário. Após o assassinato do Duque seu filho Paul (Kyle MacLachlan) refugia-se, com sua mãe a feiticeira Lady Jessica (Francesca Annis), no deserto, recebendo abrigo dos povos que lá habitam e que o reconhecem como o libertador que fora profetizado.

A ambientação de Duna parace inspirada num sonho etéreo circundado numa aura mística latente. Os poderes vão além da tecnologia científica material alcançando a metafísica e as ciências ocultas como bruxaria, clarividência, telepatia e hipnose tornando Duna uma obra de densidade sombria ao mesmo tempo que intrigante.

Os gigantescos sets de filmagem, que foram criados para a representação do local onde a história se desenvolve, são absolutamente magníficos e mesmo os efeitos especiais, na época considerado de ponta, ainda coadjuvam na composição do filme. Não tem como esquecermos dos vermes gigantescos que povoam o ambiente árido das terras do planeta vermelho, o rosto do Barão de Harkonnen em constante ulceração, os trajes futuristas-sumários de Feyd-Rautha (Sting), o dedo agulha da jovem Alia (Alicia Witt), e os olhos azuis florescentes dos habitantes dos desertos.

Sem dúvida alguma Duna é um ícone cult definitivo de uma geração.

Notas:

Inicialmente seria Ridley Scott quem levaria Duna às telas, mas como não conseguiu financiamento para o projeto acabou desistindo dele. Ridley Scott deixou a produção em definitivo depois que seu irmão mais velho faleceu. Scott queria iniciar os trabalhos imediatamente mas como Duna iria demorar para chegar a produção em si, Scott decidiu deixar o projeto em favor de Blade Runner (1982) que estava pronto para o início da produção de forma imediata.

David Lynch trabalhou durante 3 anos e meio para conseguir levar Duna aos cinemas.

O diretor David Lynch recusou a oferta de dirigir O Retorno de Jedi para poder dirigir Duna.

Duzentos trabalhadores ficaram durante 2 meses preparando um espaço de 3 milhas de um deserto no México para que este servisse como cenário para Duna.

Algumas cenas de Duna foram rodadas no mesmo cenário e no mesmo período em que estava sendo filmado Conan, o Destruidor (1984).

Cerca de 80 sets de filmagens foram construídos para Duna.

Alguns efeitos especiais de Duna foram rodados com iluminação em torno de 1 milhão de watts.

O diretor David Lynch não autorizou a versão extendida de Duna, que foi exibida na TV americana. Ele pediu que seu nome nos créditos como diretor fosse trocado pelo pseudônimo Alan Smithee e que seu nome como roteirista fosse alterado para Judas Booth. Este pseudônimo trata-se da união do nome "Judas", referência ao apóstolo que traiu Jesus Cristo, com "Booth", de John Wilkes Booth, o assassino de Abraham Lincoln. Este nome, de acordo com Lynch, demonstrava que o estúdio o traiu e assassinou o filme. A versão de Duna para a TV americana tem 190 minutos, 50 a mais que a versão exibida nos cinemas.

O orçamento de Duna foi de US$ 45 milhões.

Refilmado para a TV americana em 2000.

David Lynch considera este filme como sendo o grande fracasso de sua carreira. Até hoje ele se recusa a falar de vários aspectos da produção, assim como se recusa a trabalhar em cima de uma versão especial em DVD. Lynch alega que revisitar Duna é uma experiência muito dolorosa para ser feita.

Patrick Stewart alegou que o traje espacial foi a roupa mais desconfortável que ele já usou. David Lynch faria duas seqüências para o filme contudo o fracasso na bilheteria tornou impossível esse desafio.

Glenn Close recusou o papel de Lady Jessica não querendo interpretar o papel da "garota que está sempre correndo e caindo atrás dos homens".

Feyd-Rautha e The Beast Rabban são homens de poucas palavras tendo em vista que na versão de três horas Paul L. Smith fala apenas 34 palavras enquanto Sting outras meras 90.

Foi o primeiro filme a apresentar uma forma humana gerada por computador na composição dos escudos de proteção.

Durante o lançamento original do filme panfletos explicando o ambiente do filme e o seu vocabulário obscuro, era distribuido nas bilheterias dos cinemas. Foram necessárias duas semanas para Max Von Sydow concluísse sua parte.

Lynch não aprovou o edição extendida feita pela televisão.

O diretor David Lynch e a produtora Raffaella De Laurentiis fizeram um teste de tela com Sean Young em Nova Iorque. A agente de Young nunca falou a ela a respeito desta reunião e, além disso, a atriz estava neste mesmo dia com um vôo marcado para Los Angeles. Lynch e De Laurentiis perdeu seu vôo de volta para Los Angeles e terminaram pegando o mesmo vôo que Young. Durante o vôo, De Laurentiis percebeu Young e comentou com Lynch, "aposto que aquela garota é uma atriz". Uma das comissárias de bordo disse à eles que o nome dela era Sean Young. De Laurentiis apresentou-se e também David Lynch à Sean Young. Depois dos esclareciementos necessários, os três terminaram a viagem para Los Angeles bebendo champanhe e lendo o roteiro juntos. Os tendões que vemos quando Paul põe um gancho no verme para escalá-lo eram feitos com preservativos.

Na cena em que o Duque Leto é amarrado e dopado um dos refletores explodiram e o vidro da lâmpada por sorte não atingiu o ator Jürgen Prochnow, que conseguiu se desvencilhar a tempo.

Título Original: Dune.

Gênero: Ficção Científica.

Ano: 1984.

País de Origem: EUA.

Duração: 137 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: David Lynch.

Elenco: Kyle MacLachlan, Francesca Annis, José Ferrer, Jürgen Prochnow, Kenneth McMillan,
Patrick Stewart, Sting, Max von Sydow, Sean Young, Alicia Witt, Linda Hunt, Siân Phillips.

REVIEW - BABEL

2007-04-29T00:42:00.001-07:00

Em lugares distintos do mundo, situações de conflitos estão interligadas de alguma forma como o resultado da globalização. Uma única ação pode repercurtir desencandeando um efeito em cadeia imprevisível. Babel vem para mostrar este mundo conectado por reações e acontecimentos paralelos e simultâneos. Quatro histórias interdependentes são mostradas compondo cada uma os elos de uma corrente que contém uma pluralidade de dramas impossíveis de se descreverem. 1ª Situação: Richard (Brad Pitt) e Susan (Cate Blanchet) estão em viagem pelo Marrocos quando Susan é alvejada por uma bala perdida. Richard tem que lutar para manter a sobrevivência de Susan a qualquer preço. Neste mesmo período, 2ª situação: os seus filhos são levados pela sua babá de confiança Amélia (Adriana Barazza), sem autorização, ao México por ocasião do casamento de seu filho. 3ª Situação: uma humilde família camponesa marroquina tenta sobreviver num ambiente inóspito e como se não bastassem suas dificuldades, terão que lidar com a polícia local que investiga de onde partiu o tiro que feriu a turista americana. 4ª Situação: No Japão o ex-dono da arma que causou o ferimento de Susan enfrenta problemas de convivência com sua filha adolescente que vive um período de profunda instabilidade emocional após o suicídio de sua mãe. Chieko (Rinko Kikuchi) é surda muda e sua necessidade de afeto e aceitação é o seu clamor mais audível.

As histórias vão se mesclando em exemplos de acasos e da necessidade humana de resistir a todos estes obstáculos no limite do que pode ser possível e dentro de sua própria forma de se comunicar, com ou sem palavras já que o próprio silêncio impõe uma intenção. A Babel que o filme faz referência traz a idéia de isolamento que cada um carrega dentro de si ou com o meio em que vive seja no exemplo do casal americano em viagem a um país estrangeiro tentando entender um outro sistema e com dificuldades em seu casamento (a própria célula de sua estabilidade), seja a imigrante latina tratada com humilhação nos Estados Unidos, seja como o próprio cidadão à mercê das arbitrariedades de seu país ou mesmo na impossibilidade de "ser normal" e comunicar-se com os outros quando fisicamente o uso da voz lhe é tirado desde sempre.

Babel trata das dificuldades da relação humana entre iguais e diferentes na tarefa árdua do simples entendimento que por mais claro e simples que seja dificilmente é compreendido. O filme tem um impacto poderoso pois atribula e desafia a organização de nossas vidas, mobilizando nossas expectativas. Funciona como o testemunho de uma catarse fatídica resultante da condição incomunicável do homem e o seu ambiente.

Alejandro González Iñárritu, o diretor, utilizou seqüencias dando uma idéia de acontecimentos paralelos, mas não, necessariamente, concomitantes. Isto dá um grande volume ao roteiro que mantém um clímax constante no filme e a atenção permanece retida pelo revezamento de pontos altos de cada situação que se apresenta em seu momento. A edição lembra muito a de Crash - No Limite pela velocidade em que as cenas vão determinando e moldando o resultado onde é impossível recuar dentro do caminho já trilhado. Em Babel as personagens encontram-se numa torre de desesperos com vista à tragédias convivendo ao mesmo tempo não apenas com linguagens diferentes, mas também com o idioma único da luta de manutenção de seu bem-estar e autonomia.

Notas:

Este é o 2º filme em que o diretor Alejandro González Iñárritu e o ator Gael García Bernal trabalham juntos. O anterior foi Amores Brutos (2000).

Exibido na mostra Panorama do Cinema Mundial, no Festival do Rio 2006.

O orçamento de Babel foi de US$ 25 milhões.

Rinko Kikuchi teve que se submeter a um ano inteiro de audições até conseguir o papel de Chieko.

Boubker Ait El Caid que foi escolhido como Yussef, o garoto marroquino que erroneamente dispara com a arma, depois que o diretor Alejandro González Iñárritu o viu jogando bola no hotel Plaza local.

Brad Pitt desistiu de um dos papéis principais em os infiltrados (filme que co-produziu) para que pudesse participar deste filme, ele é um fã antigo dos filmes de Alejandro González Iñárritu.

Tendo as histórias sido filmadas em momentos diferentes e em diferentes partes do mundo, alguns menbros do elenco nunca tinham encontrado suas contra-partes antes da premiere.

A atriz Adriana Barraza aumentou 14 kilos e meio para fazer a sua personagem no filme.

O diretor Alejandro Gonzalez Inarritu diz no making of do filme que 17 dias antes do início das filmagens das cenas do Marrocos ninguém do elenco tinha sido escolhido. A equipe teve que ir à cidade mais perto do local das filmagens e fazer anúncios na televisão, rádio e nas mesquitas a respeito de um filme que estaria sendo rodado. Em apenas um dia 200 pessoas apareceram com a esperança de serem escolhidos para o filme. Quase todos estão no filme seja participando como personagens principais seja apenas como extras.

A cena em que Chieko está dentro do carro com seu pai foi filmada sem a permissão da cidade tendo em vista a lentidão das entidades burocráticas japonesas. A equipe criou um tráfico artificial e começaram a filmar as cenas. Posteriormente a polícia começou a persegui-los enquanto eles ainda estavam filmando.

A atriz Adriana Barraza tem histórico de problemas do coração por já ter sofrido dois leves ataques cardíacos, mesmo assim ele insistiu em carregar a atriz e sua co-star Ellen Fanning nos dois dias de filmagens em que Mercedes caminha no deserto com Mike e Debbie.

O vermelho, como um denominador comum, é visto em todos os quatros segmentos do filme.

O diretor de fotografia Rodrigo Prieto teve dificuldades em filmar a cena onde Richard e os moradores da vila carregam Susan ferida numa esteira para o top da colina. Ele tentou filmar de trás para frente mas a câmera não se mantinha fixa e muitas vezes caía. Alejandro Gonzalez insistiu para o uso da Stedicam e para o uso da câmera manual. O editor Joseph Dianda veio com a sugestão de utilizar uma cadeira do hotel com dois suportes de madeiras presos abaixo da cadeira e carregados por quatro pessoas com Rodrigo sentado nela e realizando a filmagem. Esta forma de filmar foi batizada pela equipe como 'Filmagem da cadeira de Joey".

Título Original: Babel.

Gênero: Drama.

Ano: 2006.

País de Origem: EUA.

Duração: 143 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Alejandro González Iñárritu.

Elenco: Brad Pitt, Cate Blanchett, Adriana Barraza, Elle Fanning, Nathan Gamble, Nathan Gamble, Rinko Kikuchi, Kôji Yakusho.

REVIEW - XEQUE-MATE

2007-04-27T23:29:00.001-07:00

Caso você consiga suportar a primeira metade de exibição do filme Xeque-Mate não terá maiores problemas em finalizar a última parte. Graças ao carisma da nipoamericana Lucy Liu a primeira hora do filme do diretor Paul McGuigan não se torna um convite quase irrecusável para abortarmos a sessão. O misto de comédia e ação policial, cheia de reviravoltas e com piadas de humor negro, carece de intensidade nas atuações resultando em um filme descartável e de fácil esquecimento. Mesmo ostentando atores do porte de Ben Kinsley e Morgan Freeman, Xeque-Mate só começa a decolar já quando é a hora da aterrisagem. A demora para que a trama comece a engrenar, acaba pulverizando a atenção do espectador que espera bem mais que um início confuso e que se prolonga demais sem necessidade alguma.

Slevin vai passar uns tempos com seu amigo Nick após levar um fora de sua namorada. A primeira pessoa que ele conhece é Lindsey (Lucy Liu), que é vizinha do apartamento e que estranha a ausência de Nick por tanto tempo. O espírito investigativo de Lindsey (numa interpretação naturalmente cômica da atriz) sugere que eles devam procurar pistas sobre o paradeiro do desaparecido. Neste ínterim, Slave é levado em duas ocasiões diferentes por capangas de dois chefões mafiosos locais que o tomam por Nick e exigem, desta forma, que este pague o valor devido pelo verdadeiro Nick. No caso do mafioso conhecido como The Boss (Morgan Freeman) o valor para saldar o débito é que Slave execute o filho de seu rival Rabino (Ben Kinsley). Por trás disso tudo a sombra sempre presente do misterioso Goodkat (Bruce Willis), personagem decisivo da história.

Xeque-Mate pode até causar uma certa empolgação no final devido às suas cenas de ação, mas o sabor resultante permanece com um quê de insatisfação devido a sua previsibilidade. Os roteiros cada vez mais malabaristícos para adequar situações, personagens e ambientes estão perdendo a força nos filmes deste gênero. O resultado é que a falta de criatividade começa deixar de exercer o seu poder de atração junto ao público. É uma pena, maior ainda, saber que um elenco de atores de primeira categoria, que poderia ter sido melhor explorado, fiquem perdidos em seus personagens tentando encontrar a melhor forma de torná-los palpáveis e acabam agindo como patetas.

Notas: Este é o 2º filme em que Bruce Willis e Danny Aiello atuam juntos. O anterior foi Hudson Hawk - O Falcão Está à Solta (1991).

Josh Hartnett morou com o roteirista Jason Smilovic e sua namorado enquanto o roteiro do filme era escrito. Smilovic disse que tinha pensado na personagem Slevin usando apenas uma toalha durante um pedaço do filme devido ao fato dele ver tantas vezes Hartnett usando uma. Esta característica acaba dando à personagem uma qualidade de vulnerabilidade.

Título Original: Lucky Number Slevin.

Gênero: Ação.

Ano: 2006.

País de Origem: EUA.

Duração: 109 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Paul McGuigan.

Elenco: Josh Hartnett, Bruce Willis, Lucy Liu, Morgan Freeman, Ben Kingsley, Stanley Tucci.

REVIEW - A CASA MONSTRO

2007-04-24T19:08:00.001-07:00

É fácil notar que as animações estão acompanhando a evolução, ou melhor dizendo, a maturação precoce das crianças e jovens. Isso está ocorrendo de uma forma tão rápida que, pelo jeito, estas produções, em pouco tempo, terão que enfrentar classificações restritivas de idade. Em A Casa Monstro as cenas de violência, para um público que não deveria ser o infantil, são tantas e tão pavorosas quanto o sobrado que dá o título ao filme.

Apoderado por um espírito de uma desencarnada, cheia de ódio no coração, a casa da vizinhança, onde mora o pré-adolescente DJ Walters (Mitchel Musso), é temida pelas crianças que passam por seu gramado ou que por lá perdem os seus brinquedos. Neste sobrado caindo aos pedaços vive o temido Epaminondas, um senhor mal-humorado que não permite sequer que pisem em seu gramado. DJ Walters é vizinho do assustador Epaminondas e acaba descobrindo juntamente com os seus amigos Chowder (Sam Lester) e Jenny (Spencer Locke), que a casa tem vida própria e que alguma maldição se apodera do local.

É inegável que, por se tratar de uma animação, exista situações absurdas e mirabolantes, típicas de desenho animado. Observado-se, todavia, por trás dessa ficção computadorizada, o traço marcante são as cenas de agressões explícitas que destoam do momento de luta por uma paz mundial. Os Estados Unidos, contudo, parece não estar sintonizado nesta mesma idéia, pois a indústria cinematográfica da animação, naquele país, insiste em dar vida a roteiros truculentos. O problema é que as histórias criadas têm como alvo uma população ainda em fase de formação moral que, conscientemente, acabam se identificando com as personagens por estas também serem na maioria das vezes, também, crianças. Como obra artística A Casa Monstro é de um acabamento perfeito (foi rodado em 3D) com personagens detentores de características indivudais e bem definidas, mas o direcionamento deve ser dado para o público adulto não o infantil.

Notas:

Inicialmente A Casa-Monstro seria feito com atores reais, com a idéia sendo descartada devido às dificuldades de realização de uma cena do clímax do filme.

A Casa-Monstro utiliza animação de captura de movimento, usada anteriormente em O Expresso Polar (2004).

Estréia de Gil Kenan como diretor de longa-metragens. Recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Filme de Animação.

Recebeu uma indicação ao Globo de Ouro de Melhor Filme de Animação.

Título Original: Monster House.

Gênero: Animação.

Ano: 2006.

País de Origem: EUA.

Duração: 91 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Gil Kenan.

Elenco (vozes da animação original): Ryan Newman (Little Girl), Steve Buscemi (Nebbercracker), Mitchel Muso (DJ Walters), Catherine O'Hara (mom), Fred Wilard (dad), Sam Lerner (Chowder), Maggie Gyllenhaal (Zee), Katherine Turner (Constance).

REVIEW - MARIA ANTONIETA

2007-04-24T19:07:00.001-07:00

A pompa da aristocracia francesa no periodo pré-revolução de 1789 traz uma direção de arte e figurinos caprichados. Kirsten Dunst encarna a rainha Maria Antonietta num papel que lhe caiu bem, levando em conta a visão que a diretora/roteirista Sofia Coppola deu à jovem austríaca que tornou-se esposa do monarca Luiz XVI e juntamente com ele foi decapitada após a tomada da Bastilla pelas massas já no final do século XVIII. Graças ao seu desinteresse pelas causas sociais e sua fama de esbanjadora, Maria Antonietta se tornou a rainha mais impopular da história da França. A soberana era tão despreucupada quanto alheia ao seu papel de rainha na corte. Os recursos que por ela deveriam ser administrados para a realização de caridades eram gastos nas mesas de apostas e nas festas boêmias que duravam toda a noite e que, segundo o filme, se constituiam no grande prazer da monarca.

Criada para se comportar como convém ao seu status de integrante da alta-nobreza, Maria Antonietta é retratada como uma adolescente ingênua em sua essência. Ela possuia com um gosto refinado, mas sem a menor consciência do que ela representava para a vida política em sua época. Para a jovem austríaca seu único prazer se resumia em expandir sua euforia adolescente, divertindo-se levianamente como uma adolescente (ela casou-se aos 18 anos). No apogeu das experimentações de seus desejos ela chegou, inclusive, a ter um caso extraconjugal com um militar sueco.

Embora tenha sido morta prematuramente aos 38 anos de idade, Maria Antonietta aproveitou o máximo que pode o luxo e a riqueza oferecida pela coroa. O filme deixa claro que a 'bom vivant' austríaca não desperdiçou nada que pudesse lhe trazer mais conforto e satisfação dentro da vida cheia de formalidades e de seu casamento sem amor e feito por conveniência.

Sofia Coppola preferiu narrar a história num formato que mescla uma trilha sonora de músicas clássicas com o rock progressivo. O estilo, embora tente contemporanizar, criando uma identidade com uma platéia jovem, não combina com o visual de época constituído de forma perfeita e ao invés de criar um efeito, o força. Esta, contudo, foi a opção utilizada para lembrar que trata-se de um filme histórico, mas o que se pretende é dar destaque a jovialidade da rainha e à sua alienação quanto ao mundo que lhe cerca. Adicione-se a isso o comportamento padrão de uma adolescente com suas características mais elementares e tem-se o espírito leviano da rainha como o foco e quase único objetivo deste longa.

A senhorita Coppola poderia ter-se aprofundado no estado de necessidade e nas pertubações de Maria Antonieta. Retratada o tempo todo como uma pessoa fútil, um objeto de transação política, e responsável apenas por dar seqüência a uma dinastia. Não é dada a Maria Antonieta outras características marcantes e ao terminarmos de assistir a sensação de que algo mais precisava ser completado é inevitável. A perda dessa substância acaba por tirar do filme Maria Antonieta o poder de grande referência em cinebiografia.

Notas:

Sofia Coppola conheceu a biografia de Maria Antonieta em 2000, através da historiadora francesa Evelyne Lever. Na época ela adquiriu os direitos de adaptação para o cinema de seu livro, sendo acompanhada pela autora em sua 1ª visita ao Palácio de Versailles, em 2001. Posteriormente Lever trabalhou como consultora técnica do filme, preparando um dossiê sobre a rainha, de forma a evitar erros sobre sua história.

Sofia Coppola se recusou a ler a famosa biografia de Maria Antonieta escrita por Stefan Zweig, por considerá-la rigorosa demais. A diretora preferiu se basear no livro de Antonia Fraser, que faz da rainha um personagem mais humano.

Inicialmente Maria Antonieta seria produzido antes de Encontros e Desencontros (2003), filme anterior de Sofia Coppola. A diretora estava trabalhando no roteiro de Maria Antonieta, mas vinha tendo dificuldades com a pesquisa histórica e a quantidade de personagens. Foi durante este processo que ela concebeu o roteiro de Encontros e Desencontros, cujas filmagens tiveram início antes.

Este é o 2º filme em que a diretora Sofia Coppola e a atriz Kirsten Dunst trabalham juntas. O anterior foi As Virgens Suicidas (1999).

O personagem Luís XV foi oferecido a Alain Delon, que o recusou.

Judy Davis, que interpreta a Condessa de Noailles, esteve inicialmente cotada para a personagem Maria Theresa.

O governo francês concedeu à equipe de filmagens uma permissão especial para que rodasse cenas no Palácio de Versailles.

Apesar do Salão de Espelhos estar em restauração na época das filmagens, a diretora Sofia Coppola conseguiu permissão para rodar no local a cena de baile do casamento entre Maria Antonieta e Luís XVI.

O orçamento de Maria Antonieta foi de US$ 40 milhões. A papel de Luiz XV foi oferecido a Alain Delon. Alega-se que o veterano astro do cinema françês se inflamou ao saber que uma americana se atreveu a fazer algo tão indelicado quanto fazer um filme sobre um fato da história francesa. Quando ele se encontrou com Sofia Coppola, trouxe-lhe um enorme buquê de flores e lhe disse basicamente, em várias palavras, que nunca se submeteria a trabalhar com um americano num filme como este.

Ganhou o Oscar de Melhor Figurino.

Recebeu 3 indicações ao BAFTA, nas categorias de Melhor Direção de Arte, Melhor Figurino e Melhor Maquiagem.

Título Original: Marie Antoinette.

Gênero: Drama.

Ano: 2006.

País de Produção: EUA.

Duração: 123 min.

Língua: Inglês / Françês.

Cor: Colorido.

Diretor: Sofia Coppola.

Elenco: Kirsten Dunst, Judy Davis, Jason Schwartzman, Rip Torn, Rose Byrne, Asia Argento.

REVIEW - APOCALYPTO

2007-04-24T19:06:00.000-07:00

Mel Gibson dirige mais um épico libertário, seu gênero favorito, e transforma Apocalypto em um dos primeiros filmes a explorar de forma mais objetiva os costumes de índios latino-americanos. O tema é a dominação bárbara sofrida por pequenas tribos de índios do interior pela grande civilização Maia antes da chegada dos novos dominadores europeus. Movidas ainda à sacríficios e exploração de trabalho escravo, tais civilizações pagavam a mercenarios pelos escravos que este apreendessem em suas expedições sangrentas de capturas. Muitos dos índios aprisionados não eram apenas utilizados para serviços forçados, ele também serviam de sacríficios aos deuses.

Apocalypto para abranger todo esse cenário histórico usa como apresentador o índio Jaguar Paw que após ver a sua aldeia ser arrasada pelos invasores, descritos como assassinos impiedosos, esconde sua esposa grávida e seu filho num fosso. Prisioneiro, ele sabe que caso morra os dois irão perecer também. Sua necessidade de viver para salvar a sua família transforma-se na força necessária para que ele consiga ultrapassar todos os obstáculos e resgatá-los.

Como não é de se estranhar Mel Gibson deu bastante realismo nas cenas de combate (com exceção da cena de ataque e briga entre um guerreiro asteca e um jaguar negro). Porém, realismo não é sinônimo de fidelidade histórica e o filme excede na violência e na demonstração de um fanatismo sádico atribuído aos maias. O resultado que se tem é a impressão de ser ver uma sociedade bárbara movidos a atos de vandalismo e selvageria. Estudos arqueológicos contrariam essa postura de vilã dada à grande civilização aqui retratada. O detentor desse posto, sem a menor dúvida, é do colonizadore espanhol. A conclusão é que a ótica da figura do dominado que prevalece é a do índio que, inevitavelmente, se torna a visão simplista e cinetomatográfica contemplada por Mel Gibson: o povo maia estão no hall dos homens maus. Devemos assistir Apocalypto mais como uma fonte de entretenimento cheia de ação e aventura do que como um registro de fatídico. A lenda do guerreiro jaguar pode ser vista como o símbolo da resistência de um povo que se recusa a ser destruído e nescessita seguir em frente. Fazer um novo começo é o seu lema. A moral do filme está corretíssima, mas o exemplo pode ser constrangedor.

Notas:

É inteiramente falado em dialeto maia.

Devido ao clima imprevisível das florestas tropicais do México, algumas precauções foram tomadas para proteger as câmeras digitais utilizadas nas filmagens. Quando fazia muito calor as câmeras eram protegidas com cobertores especiais, que refletiam o calor. Além disto a temperatura era constantemente verificada, com termômetros sendo adicionados às próprias câmeras.

Nas cenas embaixo da cachoeira as câmeras digitais foram protegidas por bolsas de Hydroflex especialmente feitas para o filme, que foram desenhadas por Pete Romano.

Inicialmente Apocalypto seria lançado nos cinemas americanos em 4 de agosto de 2006. Porém, devido às fortes chuvas que atingiram o México durante as filmagens, a data de lançamento foi adiada para 8 de dezembro do mesmo ano.

O orçamento de Apocalypto foi de US$ 40 milhões.

A quantidade de fotogramas utilizados para a filmagem digital corresponderia a dois milhões de pés de filme em celulóide.

Muitos papéis com falas substanciais dentro do filme foram feitos por pessoas de descedência maia que nunca atuaram antes como a garota enfeitiçada que amaldiçoa os guerreiros na cena em que eles estão voltando com os índios capturados. A menina tinha apenas sete anos de idade e morava numa cabana suja e alagada numa vila muito parecida com a que Jaguar Paw morava.

Houve uma enchente severa na região sul do país durante as filmagens que deixou desabrigada cerca de um milhão de pessoas. A equipe do filme ajudou fazendo doações.

O trailer teaser do filme apresenta um elenco quase que totalmente diferente do que terminou concluindo o filme.

Quando adolescente Mel Gibson fora uma vez chamada de "almost" por um garoto mais velho o que para ele foi um grande insulto. Esta passagem de sua vida inspirou a fala de um dos caçadores de cabeça que chama Jaguar Paw de "almost".

Na cena do pulo da cachoeiro Rudy Youngblood fez a sua própria cena de perigo pulando de um bump jump de um prédio de 15 andares em Veracruz por 15 tomadas (foi feita uma montagem digital para ser utilizada na cena de cachoeira). Depois que o diretor Mel Gisbon ficou incitando Younblood sobre o seu medo de pular na cacheira, este se juntou com a equipe de dublês para coagir a Gibson experimentar dar um pulo no bump jump.

Durante as filmagens da queda d'água uma vaca que tentava atravessar para o outro lado do rio caiu da cachoeira. Inacreditavelmente o animal sobreviveu após a queda, mas como estava sendo arremessada contra as pedras, já embaixo na correnteza, a equipe de filmagem e Mel Gibson achou que o animal não conseguiria sair vivo. Para a surpresa de todos com a ajuda de um morador local, a vaca foi puxada e conseguiu subir a margem pastando naturalmente como se nada tivesse acontecido.

Título Original: Apocalypto.

Gênero: Drama.

Ano: 2006.

País de Produção: EUA.

Duração: 139 min.

Língua: Maia.

Cor: Colorido.

Diretor: Mel Gibson.

Elenco: Rudy Youngblood, Dalia Hernández, Jonathan Brewer, Morris Birdyellowhead, Carlos Emilio Báez, Amilcar Ramírez, Israel Contreras, Israel Ríos, María Isabel Díaz.

REVIEW - PECADOS ÍNTIMOS

2007-04-19T22:08:00.000-07:00

Pecados dos Íntimos é essencialmente existencialista, mas que no seu "íntimo" a defesa do humanismo é o que prevalece. Narrado em 3ª pessoa, como se testemunhassemos um reality show editado, o espectador invade todas as esferas de privacidade das personagens seja com relação ao seu comportamento, aos seus desejos ou as suas frustrações, sendo esta última ingrediente principal do filme. A invasão é necessária para expor os vícios comuns e fundamentar a natureza humana como instável e surpreendentemente complexa.

Após mudar-se para uma pacata cidade do interior, devido ao trabalho de seu marido, Sarah (Kate Winslet) enfrenta dificuldades que se estendem do lar conjugal até a adaptação a puritana e hipócrita sociedade local. A estagnação de seu casamento e a falta de perspectivas despertam uma carência afetiva que só será suprida quando ela se apaixona por Brad (Patrick Wilson). Ele é um pai dono-de-casa que compartilha sentimentos semelhantes aos de Sarah. O romance extraconjugal de ambos é o puro reflexo da insatisfação não apenas de seus matrimônios, mas também da não aceitação de seus fracassos pessoais e profissionais. O casal central não são as únicas pessoas a terem questões particulares expostas. O ex-policial amargurado Larry (Noah Emmerich) trava uma batalha contra o seu vilão idealizado, o pedófilo Ronnie (Jackie Earle Haley). Estão ambos encarcerados dentro de seus próprios sentimentos de culpa e sentenciados a uma prisão eterna frente à impossibilidade de mudar os acontecimentos passados ou a própria natureza de suas vidas.

Constringidos numa teia de proibições morais, os pecados das personagens são tão íntimos quanto são públicos a sua realidade. A condição inerente do ser é prova única e suficiente da existência desses vícios que são os grandes responsáveis pelo amadurecimento e compreensão das necessidades humanas, nem que para isso roteiem 360º perfazendo um círculo, voltando ao ponto de partida.

Kate Winslet, atriz de um charme radiante e natural, energiza o filme mesmo exercitando um papel morno comparado com suas reais capacidades. O filme também serviu para ressuscitar a carreira de Jackie Earle Haley. Há dez anos sem atuar em filmes e trabalhando como motorista, entregador de pizzas, agente de seguros, marceneiro entre outros empregos, Haley fora lembrado pelo pelos produtores dos filmes feitos sob a direção de Steven Zailan e voltou a cena já ganhando uma indicação ao Oscar pelo papel do tarado do bairro. O roteiro feito por Tom Field é uma adpatção do romance de Tom Perrota que também trabalho na adpatação para as telas. Eles preferiram por não ser excessivamente incisivo nos dramas psicológicos, que tornou Pecados Íntimos um filme menos denso. A direção amena de Field contribuiu para suavizar as angústias, que se tivessem sido enfocadas numa visão mais européia da realidade dos fatos, a tragicidade seria soberana.

Notas:

Foi Kate Winslet quem sugeriu Patrick Wilson como intérprete de Brad.

O orçamento de Pecados Íntimos foi de US$ 14 milhões. O narrador que não recebe créditos é Will Lyman. No livro a personagem de Patrick Wilson é chamada de Todd. Seu nome foi mudado para Brad provavelmente porque o nome do escritor e roteirista do filme é Todd Field.

Título Original: Littel Children.

Gênero: Drama.

Ano: 2006.

País de Produção: EUA.

Duração: 130 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Todd Field.

Elenco: Kate Winslet, Patrick Wilson, Jennifer Connelly, Jackie Earle Haley, Noah Emmerich, Phyllis Somerville.

REVIEW - LIMITE

2007-04-17T00:02:00.001-07:00

As imagens sem som de Mário Peixoto são curiosas desde o começo. O que parece ser um esboço confuso de relações entre pessoas conhecidas dentro de um barco à deriva em algum ponto da costa brasileira se aprofunda no existencialismo. As personagens (sem nomes, apenas homem e muher 1 e mulher 2) vão recordando-se dos momentos anteriores antes de estarem em apuros no meio do oceano. Sem alternativa, a não ser a utilizaçaõ da consciência, eles vão evidenciado, através de reflexões, seus dramas particulares. O clímax, pode-se se dizer constante, vai tomando ares claustrofóbicos até chegar ao limite da angústia, da apreensão, da expectativa e dos desejos.

Limite é também o nome deste filme clássico, único "filho" em celulóide deixado por Mário Peixoto. Devido à falta de preservação da obra ele quase que se perde totalmente. Rodado com recursos escassos, e isto é notório, o que distingue Limite é a ousadia na criação das imagens belíssimas utilizando movimento de câmeras como closes, enquadramento e nuances de forma inédita do que se tinha visto no país até entãol. A fotografia e a estética de sua linguagem, utilizado pelo jovem cineasta na época, foi inovadora no Brasil. O reconhecimento só chegou muitos anos após sua primeira exibição e consagrou Limite como um marco absoluto, um verdadeiro monumento da cinematografia brasileira. De fato, pela técnica empregada (num período em que o cinema brasileiro ainda engatinhava), o seu valor histórico é indiscutível. É impossível não imergir nos dramas, por vezes incompreendidos, mas sempre percebidos pelo espectador graças, também, a edição definida por Peixoto. Utilizando uma noção de tempo bidimensional acusado por imagens fragmentadas, o diretor consegue impor ao filme um efeito de reflexão que consegue ser hipnótico. Para se aprofundar no significado de Limite e torná-lo mais visceral e belo ainda é obrigatório se assistir mais de uma vez. Isto porque ele é constituído de detalhes que compreendem desde da sua trilha sonora às relações das emoções e sua analogia com a natureza contemplativa. Utilizando-se dessas metáforas Mário Peixoto vai traçando um paralelo visualmente incomum em sua época e até nos dias de hoje. Este foi um dos motivos que geraram a incompreensão do seu trabalho pelos críticos do período.

Limite é a relação do homem tomado literalmente pelas várias perspectivas e ângulos de câmera com o objetivo de materializar a abstração dos sentimentos em cenas fantásticas. As imagens poderão desaparecer para sempre caso não haja um trabalho de restauração definitivo, mas a genialidade pioneira do diretor-roteirista Mário Peixoto permanecerão indeléveis na memória de todos que testemunharam o seu maior legado de sensibilidade.

Notas:

Conhecido como autor de um único, porem mitológico, longa-metragem.

Chegou a começar a dirigir um segundo filme, "Onde a Terra Acaba", porém por divergências com a atriz e produtora Carmem Santos não o conclui, sendo substituido por Octávio Gabus Mendes.

Um documentário sobre a sua vida foi aos cinemas em 2001, tambem com o titulo de "Onde a Terra Acaba".

Diz a lenda que o seu filme "Limite" foi visto em Paris por Serguei Eisenstein, que teria homenageado-o com um longo artigo na revista "Tapler".

Título Original: Limite.

Gênero: Drama.

Ano: 1931.

País de Produção: Brasil.

Duração: 120 min.

Língua: Português.

Cor: Preto e Branco.

Diretor: Mário Peixoto.

Elenco: Olga Breno, Raul Schnoor, Tatiana Rey, Brutus Pedreira.

REVIEW - DREAMGIRLS EM BUSCA DE UM SONHO

2007-04-17T00:00:00.000-07:00

A fotografia caprichada, a trilha sonora e os figurinos que evocam os anos 60/70 são os principais atrativos do musical Dreamgirls - Em Busca de Um Sonho. Típica produção americana do gênero, o filme foi indicado, entre outros, para o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante pela interpretação mediana de Jennifer Hudson e para o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante com Eddy Murphy num papel que o tira do esteriótipo de ator elementar de filmes predominantemente acéfalos. Dreamgirls possui um formato de estilo tradicional neste gênero nos Estados Unidos. A diferença é que ele não exalta apenas a glória. Os fracassos e as ruínas também são homegeados nesta tentativa de realização do American Dream. Os diálogos, muitos deles musicados, exaltam esta característica.

Outro destaque é o cast formado praticamente por atores negros. Diga-se de passagem o melhor elenco de Hollywood na atualidade.

Deena (Beyoncé Knowles), Effie (Jennifer Hudson), e Lorrel (Anika Noni Rose) são três amigas aspirantes a cantoras profissionais que formam o grupo Dremagirls e anseiam engrenar suas carreiras no show business da música. Mesmo após terem perdido um concurso de música, elas são convidadas para abrir o show do aclamado rocky star Marty Madison (Eddie Murphy) e têm a chance de, pela primeira vez, mostrar seus talentos ao grande público se consagrando como as Dreamettes. Os conflitos por vir já são esperados. A competitividade e disputa se iniciam quando Effie é preterida como vocalista principal ficando Deena com o destaque de ser a cantora líder. A tensão aumenta quando o caso entre Deena e Curtis (Jamie Foxx), namorado de Effie e produtor da banda, vêm a tona.

Dreamgirls enfoca, também, como é fácil grandes astros caírem do pedestal ao mostrar a decadência inflingida ao cantor Marty Madison, que tem sua carreira destruída quando se recusa a abandonar o seu estilo conhecido e se formatar num padrão mais comercialmente aceito.

Com músicas cantadas por Beyoncé e Jennifer Hudson, Dreamgirls nos dá uma panorama que já é familiar dentro do concorrido no mundo artístico. Com um roteiro cheio de intriga de bastidores e revanches Dreamgirls vai interagindo a glória e fracasso de uma forma que já foi contada por Hollywood em diversas vezes, mas nunca numa perspectiva exclusivamente racial como esta.

Notas:
Dreamgirls" foi lançado na Broadway em 1981, dirigido por Michael Bennett.

A adaptação para o cinema de "Dreamgirls" passou por vários estágios de desenvolvimento. Ainda na década de 80 a cantora Whitney Houston esteve cotada para interpretar Deena Jones. A idéia não foi adiante pois Houston insistia em cantar algumas das canções da personagem Effie White, especialmente "And I Am Telling You I'm Not Going".

Na década de 90 Joel Schumacher foi contratado para dirigir a adaptação, que teria Lauren Hill como Deena Jones e Kelly Price como Effy White. Entretanto, após o fracasso de bilheteria de vários musicais lançados na época, o projeto foi engavetado.

Após o sucesso de Chicago (2002) os produtores entraram em contato com Bill Condon, roteirista do filme, que considerava a adaptação de "Dreamgirls" para o cinema como o projeto dos seus sonhos.- Will Smith e Terrence Howard estiveram cotados para o personagem Curtis Taylor Jr.

Jamie Foxx inicialmente recusou a proposta por Dreamgirls, por achar que seu salário seria baixo. Os produtores procuraram Denzel Washington, que recusou o papel por não saber cantar. Foi apenas após as confirmações de Beyoncé Knowles e Eddie Murphy que Foxx voltou atrás e confirmou também sua presença.

Beyoncé Knowles é uma grande fã da versão da Broadway de "Dreamgirls" e, para conseguir o papel de Deena Jones, fez uma audição em que estava com o figurino da personagem e usando sua coregrafia. Ela derrotou a cantora Alicia Keyes na disputa pela personagem.

Beyoncé Knowles trabalhou durante 6 meses com professores vocais e de atuação, para se preparar para Dreamgirls.

O cantor Usher Raymonds foi a escolha original para o personagem C.C. White, mas teve que desistir do papel devido a conflitos de agenda. O também cantor Omarion Grandberry foi contactado antes da contratação de Keith Robinson.

Dreamgirls é o 1º filme da carreira de Jennifer Hudson. Ela participou anteriormente do programa de TV "American Idol", o qual não chegou na final. Hudson disputou o papel de Effy White com outras 782 atrizes, incluindo sua rival no programa, Fantasia Barrino.

Jennifer Hudson ganhou 9 quilos para interpretar a personagem Effy White.

Loretta Devine, que interpreta uma cantora de jazz em Dreamgirls, criou a personagem Lorrell Robinson para a versão original na Broadway.

Hinton Battle, intérprete de Wayne em Dreamgirls, foi o substituto do personagem James "Thunder" Early na versão original na Broadway.

Dreamgirls é dedicado a Michael Bennett, diretor, produtor e coreógrafo da versão original da Broadway.

O orçamento de Dreamgirls - Em Busca de um Sonho foi de US$ 70 milhões.

Ganhou os Oscars de Melhor Atriz Coadjuvante (Jennifer Hudson) e Melhor Som, além de ser indicado nas categorias de Melhor Ator Coadjuvante (Eddie Murphy), Melhor Direção de Arte, Melhor Canção Original ("Listen", "Love You I Do" e "Patience") e Melhor Figurino.

Ganhou 3 Globos de Ouro, nas categorias de Melhor Filme - Comédia/Musical, Melhor Ator Coadjuvante (Eddie Murphy) e Melhor Atriz Coadjuvante (Jennifer Hudson). Foi ainda indicado nas categorias de Melhor Atriz - Comédia/Musical (Beyoncé Knowles) e Melhor Canção Original ("Listen"). - Ganhou o BAFTA de Melhor Atriz Coadjuvante (Jennifer Hudson), além de ser indicado na categoria de Melhor Trilha Sonora.- Ganhou o prêmio de Melhor Revelação, no Festival de Palm Springs.

Título Original: Dreamgirls.

Gênero: Musical.

Ano: 2006.

País de Produção: EUA.

Duração: 131 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Bill Condon.

Elenco: Eddie Murphy, Jamie Foxx, Jennifer Hudson, Beyconcé Knowles, Danny Glover, Anika Noni Rose, Keith Robinson, Sharon Leal, Hinton Battle, Mariah I. Wilson.

REVIEW - O MASSACRE DA SERRA ELÉTRICA: O INÍCIO

2007-04-15T22:37:00.001-07:00

Existe uma equivalência nos filmes de terror produzido nos dias de hoje. Há diferenças, é claro, mas o objetivo maior que é o efeito do susto vem perdendo a sua força já há muito tempo, pela insistência de roteiros tão similares que distinguir um do outro é quase impossível. A falta de criatividade dos Horror Movies se constitui um pesadelo que extrapola o filme e atinge os fãs do gênero desapontados pela ausência de inovação. Quando algo perto do interessante surge causando certa satisfação no público é certo que continuação e refilmagens irão lhe suceder. É assim que acontece com O Massacre da Serra Elétrica cuja produção polêmica de 1979 (devido ao seu conteúdo de extrema violência) gerou mais um remake no ano de 2003 capaz de deixar a versão original orgulhosa reinaugurando o chamado filão do Road Movies. O Massacre da Serra Elétrica: O Início tenta manter o ritmo do seu antecessor de três anos atrás com a desculpa de que chegou para tirar as dúvidas de como nasceu todo o mal. Mantendo o mesmo padrão de qualidadade da produção anterior e recente, este novo massacre acaba não sendo relevante em sua importância. As novidades possuem muito pouco de substancial. O prólogo do filme faz uma apresentação panorâmica dando as origens do deformado Thomas "Leatherface" Hewitt (Andrew Bryniarski), trazendo as razões psicológicas somatizadas com o meio que o levaram a se tornar um homicida desenfreado. A tragédia se concretiza quando quatro jovens cruzam o deserto do Texas e sofrem um acidente na rodovia e acabam sendo resgatados por uma família de psicopatas. Eles são submetidos a todos os tipos de flagelos e torturas sabendo que a única chance de continuarem vivos é escapando do local. O banho de sangue e a carnificina regada com muita crueldade é empreendida pelo pavoroso Thomas que é induzido pelo seu pai adotivo Charlie Hewitt (R. Lee Ermey). As cenas grotescas de mortandade é de deixar qualquer Jason da vida fulo de inveja. A violência chega a atingir um ápice de suportabilidade tamanha que corremos o risco de sentir a mesma angústia e desespero pelo qual passam as vítimas. Este efeito deve-se ao preparo bem feito das cenas. O melhor que podemos fazer é assistir a tudo como um espetáculo hollywoodiano e não nos deixar se impressionar com detalhe que fatos reais motivaram a criação da história.

Notas:

A New Line Cinema teve que pagar mais R$ 3 milhões para continuar com a franquia da série, já que a Dimension Films havia firmado um acordo com os detentores originais dos direitos Tobe Hooper, Kim Henkel e Robert Kuhl.

Taylor Handley impressionou tanto o diretor e os produtores em seu teste que foi contratado logo após seu término.

O ator Zachary Knighton esteve cotado para interpretar o personagem Eric.

Segundo o produtor Brad Fuller, O Massacre da Serra Elétrica O Início originalmente recebeu censura NC-17 nos Estados Unidos. Foram editadas 17 cenas para que o filme obtesse censura R, mais branda que a original.

Os eventos exibidos são anteriores aos do filme anterior da série, O Massacre da Serra Elétrica (2003).

Lançado diretamente em vídeo no Brasil.O orçamento de O Massacre da Serra Elétrica

O Início foi de US$ 16 milhões.

A New Line teve que pagar 3 milhões a mais do que esperava para poder manter a franquia dentro de sua subsidiária Dimension Films. O acordo foi feito entre os detentores do direito original da história: Tobe Hooper, Kim Henkel e Robert Kuhn.

Durante as filmagens R. Lee Ermey foi chamado ao leito de morte de sua mãe. Durante o tempo que esteve ausente as filmagens foram feitas sem a presença de sua personagem.

Taylor Handley impressionou tanto o diretor e os produtores quando audicionava para o filme que eles o escolheram para compor o filme logo após sua audição ter terminado.

Título Original: The Texas Chainsaw Massacre: The Beginning.

Gênero: Terror.

Ano: 2006.

País de Produção: EUA.

Duração: 96 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Jonathan Liebesman.

Elenco: Jordana Brewster, Taylor Handley, Diora Baird, Matthew Bomer, Lee Tergensen, R. Lee Ermey, Andrew Bryniarski, Terrence Evans, Kathy Lamkin, Marietta Marich, Cyia Batten.

REVIEW - O ANO PASSADO EM MARIENBAD

2007-04-15T13:09:00.000-07:00

A câmera desliza com uma suavidade flutuante. As personagens são dispostas como num palco teatral onde é evidente a sincronia dos movimentos, gestos e falas. O figurino é rico, o cenário é luxuoso e opulento: as dependências de um castelo medieval transformado em hotel de férias para a alta sociedade. Alain Robbe-Grillet, o roteirista, dá impulso á três personagens centrais (o restante do elenco, a maioria figurantes sem vozes, apenas compõe a ambientação): a Mulher, o Estranho e o seu Marido. O Estranho lhe é dado o poder de ser o narrador/apresentador do filme e o 'construtor' do roteiro a partir do momento que nos ambienta e por vezes 'dirige' as atuações do restante do elenco. Sob esta forma de contar a história, percebemos que as atitudes dos protagonistas possuem uma aura de ambigüidade inquietante onde a princípio é difícil entender os excentricismos que vão inundando a tela. O Estranho persegue a Mulher tentando convencê-la do suposto pacto amoroso que eles fizeram o ano passado neste mesmo castelo de férias. Mostrando-se perturbada pelo assédio constante daquele estranho e negando conhecê-lo de qualquer lugar que fosse, ela ainda preucupa-se que seu marido perceba a insistência latente do desconhecido "louco". Sempre prestes a ceder à sedução a Mulher retruca às tentativas de sucumbir ás palavras de paixão do estranho. O edílico universo pararelo em que as duas figuras principais parecem planar favorece uma infinidade de interpretações para definir o que se parecer ser: um delírio, um pensamento, um desejo ou até mesmo uma realidade fantasiada cheia de déjà vours. O Ano Passado em Marienbad é um dos vários resultados que se originaram quando o movimento conhecido como Nouvelle Vague sacudiu o cinema françês no início dos anos sessenta. Encabeçada por cineatas do calibre de Truffaut e Goddard entre vários outros incluindo o próprio Alain Resnais, esta corrente artística era, também, defendida pelo lendário crítico e fundador da revista Cahiers du Cinema André Bazin. Segundo a ideologia deste novo pensamento revolucionário, a obra cinematográfica é uma expressão individual de seu criador e esta é a única preucupação que se deve ter em sua realização. O Ano Passado em Marienbad resume bem a idéia do manifesto françês devido a forma artística de sua concepção baseada não na preocupação com uma aceitação comercial, mas apenas com a forma autêntica elaborada por seu criador. Ele acaba sendo exatamente assim, um conto de natureza pessoal, mas com uma sensibilidade e inteligência de grande amplitude. O olhar apreciador terá que administrar as diversas impressões para tentar se achar e dar um significado ao que parece ser confuso e atordoante. Este é um dos efeitos que o filme exerce sobre o expectador: idéias distintas, despertando interesses variados. O propósito motivador de Resnais, foi a realização de um longa não apenas com roteiro seu, mas também com a liberdade de expressar suas idéias de forma ininterrupta e distante das amarras e convenções estabelecidas no cinema convencional. O Ano Passado Em Marienbad é um filme especial porém muito fácil de frustrar o expectador comum que não esteja acostumado com um roteiro tão cheio de motivações psicológicas, pausas comtemplativas, estaticismos e metáforas. Ele tem seu ritmo próprio que adequa-se à dimensão de sua narrativa translúcida. Assim como um sonho de muito bom gosto, O Ano Passado em Marienbad está dominado por uma relatividade soberana e rica em hipóteses. O desenrolar de toda a trama está unicamente a mercê dos devaneios dados pelo Estranho a um mundo poeticamente irreal e que lhe pertence. Puro cinema de arte na demonstração da inevitável erupção do desejo.

Notas:

Recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Roteiro Original.

Recebeu uma indicação ao BAFTA de Melhor Filme.

Ganhou o Leão de Ouro, no Festival de Veneza.

Título Original: L'Année Dernière à Marienbad.

Gênero: Romance.

Ano: 1961.

País de Produção: França.

Duração: 94 min.

Língua: Françês.

Cor: Preto e Branco.

Diretor: Alain Resnais.

Elenco: Delphine Seyrig, Giorgio Albertazzi, Sacha Pitoëff.

REVIEW - LA JETÉE

2007-04-10T19:42:00.000-07:00

O curta françês La Jetée surpreende logo nas primeiras cenas onde observamos a ousadia pela forma como ele foi construído. Ao invés de termos o "moving pictures" nós temos o "standing still pictures" ou seja o único movimento percebido na tela é da troca de imagens - fotogramas - estáticas que, em seqüencia lógica, vai originando uma estória como se estivessemos folheando uma revista em quadrinhos. Esse efeito dá ao filme uma dimensão apocalíptica futurista, que é exatamente o cenário que ele tenta descrever utilizando esta técnica intrigante.

Após uma 3ª Guerra Mundial devastadora, a população parisiense sobrevive em túneis subterrâneos e são submetidas a testes experimentais pelas autoridades, em que se é avaliada a capacidade de viajar no tempo para que se possa, através disso, acumular conhecimentos e informações na intenção de se fazer um renascimento da humanidade. O homem (a primeira personagem principal) será utilizado na realização destes testes voltando no tempo. Ele tem a lembrança marcante de que quando criança seus pais custumavam o levar para ver a decolagem dos aviões no aeroporto e, numa dessas vezes, presenciou o assassinato de um homem. O homem acaba se apaixonando por uma mulher (segunda personagem) que encontra nestas viagens de regressão ao passado. Fascinado pela figura da mulher, esta se torna sua razão de vida. O encontro entre os dois se torna recorrente em sua memória durante o periodo em que seu cérebro vai sendo motivado nos testes feitos pelo cientista experimentador (terceira personagem).

Os sentimentos e sensações que o homem vai percebendo é narrado durante o transcorrer da exibição. O único momento em que existe algum movimento que não seja a troca dos quadros inertes é um piscar de olhos na metade do filme.

La Jetee incorpora a proposta criativa e independente da obra cinematográfica pregada pelo movimento françês da Nouvelle Vague e a tensão circunstancial que paraiva no mundo devido a guerra fria que caminhava para o seu ápice com descoberta de mísseis soviéticos instalados na ilha cubana também em 1962.

A mistura de realidade e delírio se confundem neste ambiente desesperançoso e lúgubre onde a imaginação e a possibilidade de se voltar ao passado parece ser mais táctil do que a aparente realidade.

Título Original: La Jetée.

Gênero: Ficção.

Ano: 1962.

País de Produção: França.

Duração: 28 min.

Língua: Françês.

Cor: Preto e Branco.

Diretor: Chris Marker.

Elenco: Jean Négroni, Hélène Chatelain, Davos Hanich, Jacques Ledoux.

REVIEW - OS DEZ MANDAMENTOS (1923)

2007-04-05T12:30:00.001-07:00

Cecil B. De Mille foi um dos diretores mais atuantes em Hollywood e responsável pela criação de um estilo único de glamour na direção de filmes épicos. Se o seu nome estivesse inserido nos créditos, se tinha a certeza que os ingredientes luxo e grandiosidade não faltariam à produção. Em 1923 (nove anos após ingressar na direção cinematográfica) comandou a criação de um de seus épicos mais famosos, Os Dez Mandamentos. Refilmado em 1956, Os Dez Mandamentos já se tornaria, naquela época do cinema mudo, uma das maiores bilheterias de seu tempo. Embora mais de 40 minutos do filme da década de 20 tratasse sobre a saga da libertação dos judeus escravos no Egito guiados por Moisés, está montagem do episódio bíblico serviu como uma introdução de luxo, para que a história principal se desencadeasse. Após o recebimento das Tábuas da Lei por Moisés, somos remetidos ao presente como se o episódio sagrado que acabávamos de testemunhar tivesse sido ilustrado na narrativa da religiosa mãe de família Martha MacTavish. Martha é uma árdua seguidora dos mandamentos de Deus e vive inconformada pelo desdém e desrespeito de seu filho mais novo, Dan (Rod La Rocque), para com as ordens sagradas. Acreditando no valor que irradia os mandamentos divinos e também para apoiar a fé irrestrita da mãe idosa, John, o primogênito, é o mediador no conflito entre os dois tentando apaziguar os desentendimentos. Por fim quando Dan resolve deixar o lar para se casar com a moradora de rua Mary (Leatrice Joy), os dois se unem para construirem sua vida de prosperidade contrariando os dizeres definidos pelos Dez Mandamentos tão exaltados pela Srª McTavish. Como num castigo divino pela desobediência a vida do casal começa a desmoronar, dissolvendo a felicidade artificial e criminosa sob a qual foram erguidas as suas riquezas. Figuras lendárias do cinema como a atriz Nita Naldi que faz o papel da amante asiática de Dan Sally Lung e Agnes Ayres numa ponta como exilada. A lição de moral puritana do filme é bem construída em cima de ótimas interpretações e da linha suave que o roteiro vai se desenvolvendo para concluir o seu desfecho sem se macular pelo excesso de ingenuidade. As tomadas iniciais mostrando os cenários caríssimos são um dos deslumbramentos a parte do filme. A exibição do portão egípcio é o grande destaque e continuam tendo um grande impacto mesmo após o advento do som, da fotografia colorida e passados oitenta anos. Um espetáculo visual com a assinatura Cecil B. De Mille de qualidade.

Notas:

O efeito da divisão do Mar Vermelho foi criado colocando-se dois blocos de gelatina azul lado à lado e depois esquentando-os até que eles derretessem. Depois foi só foi rodar o filme no reverso.

O cenário egípcio visto no prólogo do filme era na realidade uma construção enorme sendo, na verdade, consideravelmente maior do que os sets da Babilônia no filme Intolerância de D. W. Griffith ao qual ele é sempre comparado.

A maioria das batidas das bigas que ocorrem no início do filme foram reais e não planejadas.

Durante um dia de filmagens das cenas do Êxodus cerca de sessenta figurantes se machucaram nas batidas das bigas. A maioria voltou imediatamente para o trabalho logo após receber os curativos.

Contém algumas da primeiras cenas em Technicolor de duas faixas que pode ser vista na cena do Êxodus.

Título Original: The Ten Commandments.

Gênero: Épico / Drama.

Ano: 1923.

País de Produção: EUA.

Duração: 136 min.

Língua: Inglês.

Cor: Preto e Branco.

Diretor: Cecil B. De Mille.

Elenco: Edythe Chapman, Richard Dix, Rod La Rocque, Leatrice Joy, Nita Naldi, Theodore Roberts, Charles de Rochefort, Estelle Taylor, Robert Edeson.

REVIEW - 300

2007-04-02T00:52:00.001-07:00

A combinação perfeita de história grega, poesia e a estética high-tech dos quadrinhos evolui e 300 pode ser considerado já uma obra prima da linguagem moderna da utilização da cinematografia e seus recursos. É uma aula de como os efeitos visuais de última geração podem ser aplicados tão precisamente que fica impossível conceber a obra sem a sua utilização.
O visual deslumbrante e edílico, pintado com um realismo grandioso pela computação gráfica, adequa-se à proposta do diretor Zack Snyder que conseguiu visualizar com sucesso o ambiente idealizado através dos quadrinhos pelo desenhista Frank Miller (Sin City), ao episódio quase mitológico da guerra entre os gregos espartanos e as forças persas.
Em 300 Leônidas (Gerald Buttler), rei de Esparta, assim como todos os espartanos foram criados para serem bravos guerreiros como manda a tradição da militarizada cidade antiga. Seu poderio de batalha será medido quando um mensageiro do rei Xerxes (Rodrigo Santoro) adentra a Acrópole trazendo a notícia que a cidade de Esparta será dominada pelas forças do império persa, mas que caso não haja resistência nenhum mal será feito aos seus habitantes e Leônidas será mantido como um general a serviço do grande rei. Após assassinar o mensageiro e seus acompanhantes, Leônidas declara guerra as forças invasoras e vai pedir autorização ao oráculo para que o exército possa entrar em combate. O oráculo (numa das cenas mais interessantes do filme) nega o consentimento para a guerra. Inconformado com o destino fatídico que se abaterá sobre a cidade caso esta caia nas mãos do rei invasor, Leônidas contraria a indicação do oráculo e mesmo sem autorização do senado parte, juntamente com os melhores 300 soldados de esparta dotados apenas de espada e escudo, para enfrentar enfrentar um exército devastador, multiétnico e bélico no desfiladeiro de Termópilas. Procurando mandar mais reforços para a frente de batalha, ajudando com isso o seu marido, a rainha Gorgo pede apoio aos senadores e também que eles perdoem o fato de Leônidas ter desobedecido os conselhos do oráculo e ter partido para a guerra sem o consentimento da casa.
As tramas que se adicionam ao ponto chave do roteiro se unem para substanciar o cenário no qual se travava a batalha. Inveja, corrupção, vingança, luxúria, amor, ódio recebem tratamento quase individualizados devido a forma didática como são exemplicados dentro do roteiro e traça o caminho dos acontecimentos sem cerimônia.
Vale ressaltar que, embora o filme tenha uma intenção de ser fantástico existe muita fidelidade histórica nas falas e em algumas ambientações de destaque.
Zack Snyder acerta nos ingredientes e dosagem e se preucupa em dar um acabamento que se aproxima da perfeição. Para controlar a quantidade de elementos em cena e diminuir o peso forte e continuado das imagens, ele utiliza sangue digitalizado. Snyder também soube valorizar os detalhes: a água da fonte juntada nas mãos da rainha, uma gota de suor escorrendo pela testa do rei, as vestes esvoaçantes do oráculo, os olhares, as expressões. O resultado é a obtenção de um efeito sutil em que se funde elegância, charme e erotismo e faz de 300 um filme, não apenas que serve como entretenimento, mas também como uma obra referencial e de notas artísticas singulares.

Notas: Frank Miller se inspirou na verdadeira Batalha de Termópilas, ocorrida na Grécia, para escrever "Os 300 de Esparta". Miller conheceu a história após assistir a The 300 Spartans (1962), quando ainda era criança.

Sienna Miller e Silvia Colloca estiveram cotadas para interpretar a rainha Gorgo.

Frank Miller e Zach Snyder fizeram algumas alterações em relação à graphic novel "Os 300 de Esparta", de forma que as cenas de ação fossem mais atraentes visualmente.

As filmagens ocorreram em 60 dias.

O orçamento de 300 foi de US$ 60 milhões.

O filme foi rodado sobre uma tela azul e verde em Montreal.

As seqüências do filme foram divididas em 1500 partes e cerca de 1300 envolvem algum tipo de efeito especial.

O trabalho foi realizado quase que completamente em Montreal com exceção de dois dias de filmagens em estúdio feitas em Los Angeles.

Dez companhias de efeitos visuais, distribuidas pelos três continentes, contribuiram para a realização do filme.

O roteiro exigia que a maioria do elenco masculino estivesse nu da cintura para cima, exatamente como nas revistas de Frank Miller. Sendo assim para aparentarem ser os mais bem treinados guerreiros daquela época o elenco principal teve que passar sob um rigoroso treinamento e regime (à base de queijo branco e uva) seis semanas antes de iniciarem as filmagens.

A formação de infantaria utilizada pelos espartanos não tem veracidade histórica. Segundo Zack Snyder ele utilizou essa coreografia por achar que ficaria melhor no filme.

O filme foi realizado em apenas três pequenos sets de filmagem.

A imprensa iraniana e vários bloggers do país ficaram indignados pelo filme. Com manchetes do tipo "Hollywood declara guerra contra o Irã". Eles catigaram o filme dizendo ser uma representação monstruosa dos persas antigos, ancestrais dos iranianos modernos. Um conselheiro cultural do presidente iraniano Mahmoud Ahmadinejad chamou o filme de "Arma Americana Psicológica contra o Irã".

O filho do diretor Zack Snyder faz o papel de Leônidas criança no treinamento de luta.
A frase "Volte com o seu escudo ou sobre ele" é uma frase comum dita pelas mulheres espartanos aos seus filhos e maridos. O monólogo dito pelo narrador quando mostra Leônidas e seus homens mortos existe de verdade e está escrita na tumba real do Rei Leônidas.

Título Original: 300.

Gênero: Épico / Guerra.

Ano: 2007.

País de Produção: EUA.

Duração: 117 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Zack Snyder.

Elenco: Rodrigo Santoro, Gerard Butler, Lena Heady, Dominic West, David Wenham, Vincent Reagan, Michael Fassbender, Tom Wisdom, Andrew Pleavin, Andrew Tiernam.

REVIEW - UM HOMEM COM UMA CAMERA

2007-03-30T00:49:00.000-07:00

Muitos estudiosos e historiadores do cinema dizem que não há mais nada a ser inventado quanto as técnicas de utilização das imagens em movimento. Tudo que poderia ser criado e tentado já foi feito havendo apenas aprimoramento graças a constante evolução tecnológica. Essa impressão fica ainda mais evidente quando nos deparamos com o filme Um Homem Com Uma Câmera dirigido pelo polonês Dziga Vertov em 1929. O filme, que pode-se dizer ser uma mistura de documentário, experimentos de técnicas de filmagens e propaganda política da qualidade de vida do regime comunista, é um precursor do chamado cinema verdade - Kino-Pravda - patrocinado pelo governo de Lenin logo após a primeira guerra mundial e um reflexo da criação de uma identidade própria de divulgação de um movimento autêntico através do 'meio mais importante de comunicação' segundo o líder soviético. O Homem Com Uma Câmera é na verdade uma coletânea de imagens captadas por diversos ângulos e utilizando de forma inovadora efeitos de Câmera Rápida e Lenta, Câmera Subjetiva, Elipse etc. O resultado não é propriamente um filme convencional, embora exista uma intenção na narrativa de personalizar a câmera dotando-lhe, por vezes, de um caratér de independência, autonomia e vida própria. Patrocinado pelo poder comunista instaurado e sob a direção de Lenin, favorável na utilização do cinema como o principal meio de comunicação revolucionário, Vertov saiu às ruas com a câmera registrando o cotidiano da cidade de Odessa dando ênfase ao estilo de vida moderno e saudável como propaganda da vida da recém-formada União Soviética. Atletas praticando esportes, linha de produção funcionando a todo vapor, operários, um parto ao vivo, a morte, o caos urbano! A lente poderosa e onipresente, a lente de Vertov acompanha todos os devaneios e o frenesi do movimento, e também a inércia da cidade até os movimentos de seu próprio operador. Praticamente não há encenação e a captação das imagens são basicamente o da rotina diária de uma grande cidade da época. O Homem Com Uma Câmera é o primeiro filme a desenvolver uma linguagem cinematográfica própria causando a ruptura do elo que sempre houve com a linguagem literária e teatral, intenção maior de Vertov. Fica explícito esse propósito logo na apresentação quando somos informados da inexistência de legendas, sendo as imagens responsáveis pela trajetória pretendida pelo diretor. A figura do montador e sua importância no direcionamento do trabalho é primordial. Dziga Vertov faz referência a essa necessidade quando ocasionalmente nos remete a uma sala escura onde uma senhora faz um trabalho de corte e edição do filme dentro do filme. Esta senhora sozinha vai fazendo as combinações e seqüência dos frames do filme que estamos vendo de fato: montagem dentro da montagem formando as impressões. Este simbolismo é utilizado para sublinhar a importância do trabalho de organização das imagens e da criação de seus sentidos. É uma aula teórica em que se mostra o trabalho de manipulação dentro do próprio filme, para que este chegue ao resultado almejado.
Um Homem Com Uma Câmera é, sem questionamento, uma aula pura das técnicas do cinema e seus fundamentos. Não há como deixar de se impressionar com o seu conteúdo de grande impacto. As perspectivas empregadas no filme, cujo formato continua sendo exaustivamente utilizado nos dias de hoje, pode ser considerada definitiva devido à sua pluralidade de enfoques.
Sob a sombra do Futurismo e Cubismo, Dziga Vertov adentrou num novo conceito revolucionário soviético artístico: o Realismo /Construtivismo como precursor e pioneiro na exploração das possibilidades existentes dentro dos seus manifestos via "kinema". Um Homem Com Uma Câmera abriu a represa de idéias contidas, ampliando o espetáculo e dotando a película de celulóide com um poder nunca antes imaginado. A mistura dos elementos olho, câmera, realidade e montagem mudaria para sempre o futuro da sétima arte.

Notas:

Um Homem Com Uma Câmera antecipa também muitas das técnicas utilizadas 50 anos mais tarde no filme soviético Koyaanisqatsi em 1982.

Título Original: Chelovek s kino-apparatom.

Gênero: Documentário.

Ano: 1929.

País de Produção: União Soviética (Ucrânia).

Duração: 80 min.

Língua: Russo.

Cor: Preto e Branco.

Diretor: Dziga Vertov.

Elenco: Dziga Vertov e a população da cidade de Odessa na Ucrânia.

REVIEW - EM BUSCA DA FELICIDADE

2007-03-27T18:47:00.000-07:00

Quem diria que o rapper-palhaço-canastrão Will Smith seria indicado novamente ao Oscar de melhor ator ? Fadado a ser estrela de filmes "brucutus desmiolados", Smith dá uma nova guinada inteligente em sua carreira provando realmente que consegue atuar sem o auxílio de efeitos especiais.

No papel do vendedor - inicialmente - fracassado Chris Gardner no filme Em Busca da Felicidade (produzido também por ele), Smith consegue chegar perto de uma atuação que pode sensibilizar no papel do pai devotado que luta contra todas as adversidades resultantes da falta de recursos financeiros em se estabelecer profissionalmente.

O roteiro é baseado em fatos reais e foi escrito por Steve Conrad responsável pelo reflexivo O Homem do Tempo com Nicolas Cage. A forma que ele utiliza para narrar os fatos ao expectador tem uma póetica realista tocante. Conrad utiliza as intempéries da personagem principal para ressaltar o amor que o mesmo sente pelo seu filho Christopher (Jaden Smith, filho de Will Smith na vida real), combustível maior de sua persistência e obstinação. A cena em que Chris fantasia uma história para que Christopher não estranhe o fato de que irão dormir no banheiro do metrô, após serem despejados da casa que moravam, é uma das mais tocantes já vistas. O trajeto percorrido por Carter de sua falência total, fim do casamento até o ponto em que ele é contratado por uma das maiores corretoras de São Francisco para um estágio não remunerado e uma perspectiva vaga de emprego fixo é muito bem detalhado. Em Busca da Felicidade almeja ser um exemplo de vida é determinação e uma recusa a se sucumbir pelo desespero. Exalta a famosa realização do 'Sonho Americano' e a manutenção da auto-estima de forma discreta sem ufanismo, artificialidades ou clichês. Contudo ele não se expande para além do que se propõe: há uma luz no fim do túnel. A superação da personagem frente aos sufocos, apuros e falta de perspectiva é o foco do filme. A mensagem de esperança á capacidade humana se torna o seu maior recado.

Notas: O verdadeiro Chris Gardner passa por Will Smith e seu filho no fim do filme. Sem-tetos verdadeiros foram utilizados no fim do filme e foram pagos como extras. Eles foram pagos no valor de quase 9 dólares por dia de trabalho e receberam alimentação gratuita dada pela produção durante o periodo que prestaram os serviços. Para muitos foi a maior quantia em dinheiro já recebida durante muito tempo.

Will Smith quis Gabriele Muccino como diretor deste filme depois que assistiu Ultimo Bacio e Ricordati di mi, ambos do diretor.

Os campeõs de Cubomágico Tyson Mao e Lars Petrus foram contratados para ensinar a Will Smith a resolver um Cubo Mágico. Ele agora consegue por todas as cores iguais em menos de dois minutos.

O ônibus municipal visto neste filme é o mesmo utilizado em Velocidade Máxima de 1994, ele tem duas direções uma delas esta localizada entre os bancos da frente.

A "Bíblia" que os internos são orientados a dormir, comer e viver com ela é chamada de "Análises Seguras" de Benjamim Graham. Este livro já foi revisto e republicado várias vezes.

Título Original: The Pursuit of Happiness.

Gênero: Drama.

Ano: 2006.

País de Produção: EUA.

Duração: 117 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Gabriele Muccino.

Elenco: Will Smith, Jaden Smith, Thandie Newton, Brian Howe, James Karen, Dan Castellaneta, Takayo Fischer.

REVIEW - VOLVER

2007-03-25T19:50:00.000-07:00

Penelope Cruz, radicada nos EUA, volta às suas raízes do cinema espanhol e protagoniza Volver a última sensação do aclamado diretor Pedro Almodovar. Volver é um história simples, mas rica em detalhes e peculiariedades numa direção de arte e fotografia primorosos sempre em cores vivas. Estes na verdade são os ingredientes que fazem o diferencial dos filmes de Almodovar. As personagens e as situações construidas no roteiro do cineasta estão no limiar entre o drama fatídico e a comédia nonsense. Neste ponto reside o brilhantismo. Após sua filha matar o próprio pai, que tentava abusar sexualmente dela, Raimunda (Penelope Cruz) acoberta o crime e tenta esconder o corpo para que não seja descoberto pelas autoridades. Este é apenas o mote inicial para que o filme se desenvolva e a partir de então passamos a conhecer os caracteres que irão desfilar na tela, com uma maior intimidade. Os dramas pessoais que se desdobram são diretamente inter-relacionados como numa grande colcha de retalhos necessária para a explicação dos conflitos. O resultado é uma cumplicidade em todos os seus aspectos desprovidas de justificativas, mas cheias de explicações.

A vida de Raimunda vai se elucidando aos poucos após a morte de sua tia idosa. Boatos de que o fantasma de sua mãe Irene (Carmen Maura), irmã da falecida e também morta num incêndio, cuidavam da senhora senil vão tomando um corpo real de veracidade. Sole (Lola Dueñas, ótima atriz), a irmã cabelereira de Raimunda é a única que tem uma noção da verdade e a catalisadora para a solução dos mistérios. Augustina (Blanca Portillo), amiga da família e doente terminal de câncer, também desconfia de algo á mais relacionada a morte de Irene e o desaparecimento de sua mãe sem razão aparente.

Certamente Volver não é o melhor filme de Almodóvar, mas um dos mais sobram criatividade. Ele desacelara em algumas cenas que poderiam ser suprimidas em favor de uma narrativa mais dinâmica e intensa, detalhe que não compromete o trabalho. A figura das personagens, com o fim do filme, parece que vão se tornando mais próximas, nítidas e reais. A simpatia de que cada uma delas possui um simpatia que nos conquista sem muito esforço. O destaque de interpretação vai mais para a veterana Carmen Maura do que para Penelope que é ofuscada pela maturidade da atriz de Mulheres Á Beira de Um Ataque de Nervos. Ela é uma daquelas atrizes que sabem atuar até mortas.

Notas:

Este é o 3º filme em que o diretor Pedro Almodóvar e a atriz Penélope Cruz trabalham juntos. Os anteriores foram Carne Trêmula (1997) e Tudo Sobre Minha Mãe (1999).

Este é o 7º filme em que o diretor Pedro Almodóvar e a atriz Carmen Maura trabalham juntos. Os anteriores foram Pepi, Luci, Bom y Otras Chicas del Montón (1980), Maus Hábitos (1983), Que Fiz Eu Para Merecer Isto? (1984), Matador (1986), A Lei do Desejo (1987) e Mulheres à Beira de um Ataque de Nervos (1988).

Foi escolhido como representante da Espanha para o Oscar de melhor filme estrangeiro.

Exibido na mostra Panorama do Cinema Mundial, no Festival do Rio 2006.

Recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Atriz (Penélope Cruz).

Recebeu 2 indicações ao Globo de Ouro, nas categorias de Melhor Atriz - Drama (Penélope Cruz) e Melhor Filme Estrangeiro.

Recebeu 2 indicações ao BAFTA, nas categorias de Melhor Atriz (Penélope Cruz) e Melhor Filme Estrangeiro.

Ganhou 5 prêmios no European Film Awards, nas categorias de Melhor Diretor, Melhor Atriz (Penélope Cruz), Melhor Roteiro, Melhor Fotografia e Melhor Trilha Sonora. Foi ainda indicado na categoria de Melhor Filme.

Recebeu uma indicação ao César de Melhor Filme Estrangeiro.

Ganhou 5 prêmios no Goya, nas categorias de Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Atriz (Penélope Cruz), Melhor Atriz Coadjuvante (Carmen Maura) e Melhor Trilha Sonora. Foi ainda indicado nas categorias de Melhor Atriz Coadjuvante (Lola Dueñas e Blanca Portillo), Melhor Fotografia, Melhor Figurino, Melhor Maquiagem, Melhor Direção de Produção, Melhor Direção de Arte, Melhor Roteiro Original e Melhor Som.

Recebeu uma indicação ao Grande Prêmio Cinema Brasil de Melhor Filme Estrangeiro.

Ganhou os prêmios de Melhor Atriz (Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo e Chus Lampreave) e de Melhor Roteiro, no Festival de Cannes.

Ganhou o Prêmio FIPRESCI, no Festival de San Sebastián. De acordo com Pedro Almodovar há apenas um elemento falso no corpo de Raimunda: sua bunda. Ele disse que esse tipo de personagem geralmente possuem bundas grandes e o corpo de Penelope é muito tradicional necessitando, assim, adicionar o incremento. Penelope Cruz se tornou a primeira atriz espanhóla a ser indicada para o Oscar de atriz principal.

Título Original: Volver.

Gênero: Drama / Comédia.

Ano: 2006.

País de Produção: Espanha.

Duração: 121 min.

Língua: Espanhol.

Cor: Colorido.

Diretor: Pedro Almodovar.

Elenco: Penelope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo, Antonio de La Torre, Chus Lampreave.

REVIEW - BEM-ME-QUER, MAL-ME-QUER

2007-03-21T00:22:00.000-07:00

Maria de Medeiros é uma atriz reconhecida como uma das melhores já vindas de Portugal. Atuando em filmes como Henry e June, Pulp Fiction - Tempo de Violência e o brasileiro O Xangô em Baker Street, a carismática artista lusitana resolveu passar, não pela primeira vez, para o lado de trás das câmeras. Durante o Festival de Cinema de Cannes de 2003, Maria fez uma série de entrevistas com renomados críticos de cinema de importantes jornais e revistas e, também, com diretores de todo o mundo como Manoel de Oliveira, Pedro Almodovar, David Cronemberg e Win Wenders só para citar. O resultado foi o curta metragem Bem Me Quer, Mal Me Quer que adentra na relação amor e ódio que parece ser inevitável entre esses profissionais. A tentativa é de se destrinchar os conflitos envolvidos através dos responsáveis pelos duelos, muitos memoráveis, quando se faz uma avaliação crítica de uma obra e dentro de uma dialética de pontos de vista.

Numa série de depoimentos regidos de forma espontânea e com um tom informal e intimista, os críticos de cinema e diretores desabafam, refletem, analisam, contam casos e tentam dar explicações da dificuldade deste convívio.

O curta é inteligentemente devidido em blocos de idéias afins ao tema do amor: sedução, espera, desejo, desilusão, o sexo, etc. Este tipo de debate sem conferência, palco perfeito para momentos de muita lavagem de roupa suja, é recheado de espontaneidade e momentos de humor casual, que vai se desdobrando dentro da própria informalidade da narrativa.

O fato de Maria de Medeiros ser predominantemente uma atriz adiciona o ingrediente da isenção, sendo notória a comfortabilidade dos entrevistados na análise dos fatos.

Defendendo a tese da neutralidade, Bem Me Quer Mal Me Quer deixa subentendimento a necessidade da existência dessas duas instituições como inerente à arte cinematográfica. Um relato vivaz que apazígua os ânimos e aproxima o que parecia estar distante.

Ps: Como não há cartaz promocional deste filme (pelo menos não que eu tenha encontrado), pus a foto de Maria de Medeiros na apresentação inicial da crítica.

Título Original: Bem Me Quer, Mal Me Quer.

Gênero: Documentário.

Ano: 2004.

País de Produção: França.

Duração: 82 min.

Língua: Inglês / Françês / Espanhol / Português / Italiano.

Cor: Colorido.

Diretor: Maria de Medeiros.

Entrevistados: Pedro Almodóvar, Win Wenders, David Cronemberg, Manoel de Oliveira, Atom Egoyan, Woody Allen, Rubens Ewald Filho, Ken Loach, Caetano Veloso.

REVIEW - O LABIRINTO DO FAUNO

2007-03-18T06:45:00.000-07:00

Olhando para dentro de um universo mágico, paralelo aos terrores do período ditadorial espanhol de Franco na década de quarenta, Guilhermo Del Toro pinta o seu quadro de cores fortes e poesia acentuada em que mistura lirismo, sofrimento e esperança numa história singular e simples mas de entendimento profundo.
O ambiente em que ele retrata esta belíssima parábola é um dos mais trágicos da vida da Espanha onde a luta entre o poder fascista estabelecido do General Franco e os rebeldes contrários à força instituída travavam uma guerra civil sangrenta.

Neste momento de profundas transformações sociais no pais basco emerge a personagem Ofélia (Ivana Baquero), uma criança de grande caráter e cuja pureza se confunde com ás das histórias de contos-de-fada dos livros que lê e que se constituem seu motivo maior de felicidade. Após o falecimento de seu pai (militar morto em combate) sua mãe Carmen (Ariadna Gil) casa-se novamente e muda-se junto com sua filha para a casa do seu novo marido no interior. O novo padrasto da menina é o Capitão Vidal (Sergi López), um comandante assassino e arrogante das forças militares do governo opressor que elimina seus opositores da mesma forma como descasca uma laranja. Ofélia é rejeitada de imediato pelo capitão o qual não disfarça a antipatia que sente pela enteada. Sem ter escolhas ela tenta adaptar-se á nova atmosfera, contando apenas com a presença de sua mãe e também da governanta, que mostrará ser uma figura chave dentro dos acontecimentos. A grande virada na vida de Ofélia ocorrerá em pouco tempo que já encontra-se em sua nova morada. Após receber uma visita de uma fada, ela é guiada por esta, para conhecer um fauno que vive num labirinto subterrâneo no quintal da casa. Ele revela a garota que ela é uma princesa há muito tempo esperada mas que só poderá ser reconhecida se aceitar cumprir com sucesso três tarefas de grande risco à sua vida. Determinada a provar sua legitimidade como princesa ao mesmo tempo que terá que lidar com as dificuldades provenientes dos conflitos de guerra e do novo lar Ofélia percorre um caminho em que realidade e fantasia se confundem fundindo-se em apenas uma saída. As escolhas feitas por Ofélia é a força motriz que a impulsionaque para perto daquilo que acredita.
Tecer mais comentários em relação ao filme em si é arriscar tirar a surpresa maior e, talvez, direcionar o expectador a uma idéia que acredito ser única para cada um e muito pessoal. É a chamada moral do filme.
Um hino à libertação, ao idealismo e ao amor, O Labirinto do Fauno já faz parte da galeria dos filmes inesquecíveis da história do cinema. A violência de certas cenas (que fez com que nos Estados Unidos ele fosse proibido para menores de desezesste anos desacompanhados) dá o seu tom adulto e funciona como um chamamento à realidade se contrapondo à inocência de Ofélia, acentuando desta forma, a dramaticidade. O melhor de tudo é que, embora a película arrisque-se em cair na apelação melodramática e já esteriotipada para os produtos made in Mexico, este deslize não é cometido. Muito pelo contrário. A dureza com que o roteiro do próprio Del Toro construiu dirigiu o espetáculo não nos facilita nutrir nenhuma piedade barata. Por mais solidários que possamos ser às dificuldades experimentadas pela atriz principal ela não é o motivo de ser seja da cena ou do próprio filme mesmo do filme. O sentimento é outro e merece aplausos à lamentos.

A atriz Maribel Verdú uma participação madura como a governanta Mercedes e consegue nos transmitir a angústia que paira em
A direção de arte é um dos grandes trunfos porque consegue situar com elegância e naturalidade o tempo do filme. Irretocável também é a fotografia: um show de belas tomadas e cenas que perduram na memória e que acaba servindo como uma referência de um trabalho nota dez. A maquiagem e os efeitos especias embelezam ainda mais e dão o charme estrutural.
O Labirinto do Fauno é um triunfo do cinema mexicano e da arte cinematográfica em geral por confirmar seu poder em coreografar de forma tão avassaladora e atingindo em cheio os sentimentos humanos este que é sempre o seu maior objetivo.

Notas:

Eram necessárias 5 horas para que Doug Jones fosse caracterizado como o homem pálido. Após este processo o ator precisava usar os buracos do nariz do personagem para poder enxergar.

As filmagens ocorreram entre 11 de julho e 15 de outubro de 2005.

Foi escolhido como representante do México para o Oscar de melhor filme estrangeiro.

Exibido na mostra Panorama do Cinema Mundial, no Festival do Rio 2006.

O orçamento de O Labirinto do Fauno foi de US$ 5 milhões. Ganhou 3 Oscars, nas categorias de Melhor Direção de Arte, Melhor Fotografia e Melhor Maquiagem. Foi ainda indicado nas categorias de Melhor Filme Estrangeiro, Melhor Roteiro Original e Melhor Trilha Sonora.

Recebeu uma indicação ao Globo de Ouro de Melhor Filme Estrangeiro.

Ganhou o Independent Spirit Awards de Melhor Fotografia, além de ser indicado na categoria de Melhor Filme.

Ganhou 3 prêmios no BAFTA, nas categorias de Melhor Filme Estrangeiro, Melhor Maquiagem e Melhor Figurino. Foi ainda indicado nas categorias de Melhor Roteiro Original, Melhor Fotografia, Melhor Direção de Arte, Melhor Som e Melhores Efeitos Especiais.

Ganhou 7 prêmios no Goya, nas seguintes categorias: Melhor Revelação Feminina (Ivana Baquero), Melhor Roteiro Original, Melhor Maquiagem, Melhor Som, Melhores Efeitos Especias, Melhor Fotografia e Melhor Edição. Foi ainda indicado nas categorias de Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Ator (Sergi López), Melhor Atriz (Maribel Verdú), Melhor Trilha Sonora e Melhor Desenho de Produção.

Recebeu vinte e dois minutos de aplausos em sua exibição no Festival de Cannes.

Sua exibição foi proibida na Malásia pela departamento de censura do pais que justificou o seu veto devido ao excesso de violência.

Um dos poucos filmes de fantasia a concorrerem ao Oscar de filme estrangeiro.

Após uma semana de exibição nos cinemas do México os exibidores locais tiveram que fixar placas nos locais orientando os pais quanto a violência contida no filme, já que eles iam as sessões acompanhados com crianças pequenas.

A torre destruida que é vista na seqüencia de abertura do filme é a velha torre de Belchite que também foi utilizada por Terry Gillian no filme As Aventuras do Barão de Munchaussen (1988) a torre foi destruida durante a guerra civil espanhola e nunca mais foi reconstruída novamente.

Guilhermo Del Toro é conhecido por guardar vários cadernos em que toma notas e faz desenhos das idéias que lhe ocorrem antes de transformá-las em filmes, algo que para ele é essencial. Numa ocasião ele deixou um de seus cadernos cheios de notas valiosas, as quais foram produzidas durante anos para o Labirinto do Fauno, no banco de trás de um táxi e deu como certo o fim do projeto. O motorista do táxi, contudo, as descobriu e se dando conta da importância do material, localizou Del Toro e devolveu o material numa ação que requereu muita dificuldade e despesas. Del Toro considerou este fato como uma benção e fez com ele ficasse mais determinado a fazer o filme.

Doug Jones, o homem com os olhos na mão, era o único americano no set e o único que não falava espanhol.

As pernas do fauno não foram feitas através de computação gráfica. Del Toro criou um sistema em que as pernas do ator faziam os movimentos que comandavam as pernas falsas do fauno. As pernas do ator foram removidas digitalmente.

A atriz mirim Ivana Baquero inicialmente foi considerada muito velha para o papel que era previsto para ser feito por uma atriz com 8 à 9 anos de idade, mas Del Toro ficou tão impressionado com o talento da jovem Ivana que adptou o roteiro para uma criança com 11 anos de idade.

Título Original: El Laberinto del Fauno.

Gênero: Drama/Fantasia.

Ano: 2006.

País de Produção: México/EUA/Espanha.

Duração: 112 min.

Língua: Espanhol.

Cor: Colorido.

Diretor: Guillhermo Del Toro.

Elenco: Ivana Baquero, Ariadna Gil, Sergi López, Maribel Verdú, Doug Jones, Álex Angulo.

REVIEW - O ABISMO DO MEDO

2007-03-14T22:38:00.000-07:00

Sabe aquela sensação de terror puro em que você se envolve, se transplanta e vai absorvendo inteiramente a aflição que vai se desencadeando na tela. É assim que você irá se sentir durante a maior parte do tempo de exibição do filme O Abismo do Medo: terror puro é o que espera o expectador.
Não me lembro qual foi a última vez que eu me deixei envolver com filmes de terror, tendo em vista que, os mais recentes, nos obrigam a presenciar tentativas de sustos que não abalariam nem mesmo a mais sensível das pessoa que fosse. Que não se confunda sustos com a repugnância apelativa que muitos filmes destes gêneros nos obrigam a testemunhar numa forma de suprir a falta de idéias de algo decente dentro do filão, tendo em vista a previsibilidade das histórias e dos roteiros que são quase que idênticos um ao outro. Neste thriller de terror com elenco exclusivamente feminino, embora já se saiba que coisa boa não virá, a fatalidade é, na maioria das vezes, inesperada embora dentro do que é esperado.

Após escapar de um acidente que vitimaram sua filha (no dia em que esta faria aniversário) e marido, Sarah (Shauna Macdonald) com o apoio das amigas tenta superar o trauma. Adeptas dos esportes radicais elas organizam um grupo para explorar uma caverna de fácil acesso pelo simples prazer da aventura. Ao adentrarem dentro do local os problemas tem início: um desabamento impossibilita que elas voltem pela mesma saída de que vieram; e mais um agravante: Juno (Natalie Jackson Mendoza), a líder da expedião, ao invés de conduzir o grupo para a caverna já conhecida acabou levando-as para um sistema de cavernas ainda inexplorado. Na tentativa de descobrir a saída do local elas percorrerão tuneis estreitos, atravessarão abismos profundos e, por fim, irão se deparar com o pior de seus pesadelos. Homens da caverna que sofreram alterações para se adptar à escuridão e ao meio inóspito em que vivem, se tornam criaturas mutantes onde a carne é o seu alimento principal. Quando o pânico se instala cada uma terá que salvar sua própria vida. Ao desespero de Sarah acrescenta-se o fato dela estar sempre tendo sonhos recorrentes com sua filha, sonhos estes que se mesclam com o ataque sangrento que ocorre no presente. Utilizando os príncipios básicos em que se apóia um bom filme de terror e sem excesso gratuito, O Abismo do Medo se adequa á alguns terrores comtemporâneos que utilizam o humor negro como uma porta alternativa para sua conclusão moral com a vantagem, deste, de ter um roteiro mais desesperador e bem melhor dirigido por Neil Marshall.

Outro destaque, que poderia ter sido melhor enfatizado e talvez ajudasse a sedimentar o conflito da personagem principal, é se o drama vivido por Sarah com morte de Jessica (Molly Kayll) tivesse uma orientação mais clara de suas razões. As alucinações que acompanham Sarah desde sua saída do hospital fazem uma referência inócua e despretensiosa com os acontecimentos que se precipitarão sem revelar o seu propósito objetivo.

A utilização do suspense claustrofóbico e desconhecido de O Abismo do Medo é latente e o diretor triunfa quando explora essa característica bem como a da iluminação precária aumentando o potencial nato do medo escuro/invisível. Sem dúvida um dos melhores filmes de terror dos últimos anos.

Notas:

Os integrantes do elenco estiveram em um centro

de escalada de montanhaem Derbyshire, como forma de preparação para seus personagens em Abismo do Medo.

Não foram usadas dublês nas cenas de rafting, com as próprias atrizes atuando nestas cenas.

As cenas de Abismo do Medo foram rodadas em ordem cronológica. Com isto as atrizes apenas conheceram as criaturas que as atacam na história ao rodarem a cena do 1º ataque, o que fez com que o susto que tomaram fosse legítimo.

As cenas internas da caverna foram rodadas em cenários, miniaturas e através de imagens digitalizadas, rodadas a partir de fundo azul.

Foi construída para o filme uma réplica exata da atriz Nora-Jane Noone. Após o término das filmagens a atriz pegou a cabeça da réplica e a colocou no freezer de sua mãe, como piada.

Existem dois finais diferentes de Abismo do Medo, um incluído em sua exibição na Inglaterra e outro em sua exibição nos Estados Unidos. O final inglês é mais longo, sendo editado por ser considerado "pesado demais" para o público americano.

O orçamento de Abismo do Medo foi de 3,5 milhões de libras.

Há muitas referências a outros filmes em Abismo do Medo, incluindo Enigma do Outro Mundo, Carrie, a Estranha, Evil Dead, Apocalypse Now, Alien, o 8º Passageiro e muitos outros. Veja quantos você consegue encontrar e depois volta aqui e conte para nós.

Embora a história se passe numa expedição nas montanhas Apalaches, as cenas foram gravadas perto de Pitlochrie, na Escócia. Já as imagens internas da caverna foram feitas em cenários e imagens digitalizadas a partir de fundo azul.

Título Original: The Descent.

Gênero: Terror.

Ano: 2005.

País de Produção: Reino Unido.

Duração: 99 min.

Língua: Inglês.

Cor: Colorido.

Diretor: Neil Marshall.

Elenco: Shauna Macdonald, Natalie Jackson Mendoza, Alex Reid, Saskia Mulder, MyAnna Buring, Nora-Jane Noone, Oliver Milburn, Molly Kayll.